« The sky is not the limit. It’s just the beginning « : ZESO, an exemplary artist

By Michel Fily, October 18, 2018



Born in 1978 in the suburbs of Lyon, ZESO was introduced to lettering and tags as a teenager. He continued to do graffiti during his cooking studies and while working for famous French restaurants, such as that of Guy Savoy. In 2005, he left France for New York, a city he had always dreamed of and where he lived for more than ten years. ZESO painted everywhere the « Big Apple », but also in many cities throughout the United States. His art has marked the New York Street Art scene, while he mbued its images and codes, creating a very successful art, impressive of complexity.

 Urban Street Art Urbain met ZESO on the occasion of his live-painting of a truck container, at Street Art City


Who are you, ZESO?

My “blaze” has no special meaning, it’s just a collection of letters that I found aesthetic when I started with graffiti. I graft for 30 years or so. Since 2010, I have been part of the New York collective  » WF « , but also other crews, all around the world … I started by tagging, then I went to characters, a little before going to New York in 2005. From 2008, I devoted myself exclusively to painting, very intensively. I painted a lot in New York, Philadelphia, Houston, Baltimore, Austin Texas, San Antonio, London, Barcelona, ​​Osaka…


Tell us about your collaboration with Street Art City?

No, I painted many walls in Street Art City, containers, trucks … I stayed there for seven months in artistic residence, the first year. I painted the room 069 in the Hotel 128. Since then, I follow the walls and the canvases. And I’m preparing a new show for 2019…


What are your techniques and creative media?

I work mainly with paintbrushes and cans, all freehand, without searchlights and without grids, for the moment. I sometimes use collage … I do « Free Style » and it’s almost easier on canvas than on walls, because in my studio I have all my colors available and it is I who make my own mixes. I like colors. For now I’m painting in acrylic, but I want to attack the oil painting. I like flat surfaces, because I do a lot of little things. I painted walls, trains, glass containers, truck containers and all kinds of urban equipment. Not long ago, I went to Bristol with my friend SOIR2 and painted on the vandal highway. I do not do it as often as when I was young, only 10% of my work is in vandal mode today, but I like it. It’s nice to find, at forty brooms, this adrenaline (laughs)…


And what are your inspirations?

My work is very much inspired by the United States and New York City. But also graffiti: artists like  MODE 2, a Londoner who worked a lot in Paris and is one of the pioneers of European graffiti; KEN2, a German guy who makes crazy BBOYS; EVOK … There are plenty of them. And also all the young guys who are currently landing on the Street Art scene. They are numerous and they really have a lot of talent. Traditional painting also inspires me: Klimt, Caillebotte … I love Manga Akira and Japanese artist Manabu Ikeda. I love architecture too…


Tell us about your relationship with your audience?

I try to be affordable, whether in exhibition venues or on the street. Because I think that it is not necessary to make faces, nor to tell ourselves that we are « big bad guys »… And I see that people are very open. Even more today than in the past. The contact is pretty good. In my art, there are objects that are repeated, like paper planes, boats … People are curious, they often ask me about these repetitive patterns, they try to understand …


Why these repetitive patterns, then?

Since a few years, I work to create my own universe. Initially, I painted my first “paper plane” just because I thought it was pretty. Then, I started to put some everywhere. One day when I had not drawn, all my friends asked me: « Where is the paper airplane? (Laughs) And I understood that it’s my identity as an artist, that even if people do not remember my blaze, they will say, « Ah, it’s the guy who paints paper planes, the guy who paints boats, lighthouses, tentacles …! I do not always keep all these elements, sometimes I create new ones, but it builds my world.


What do you think of Street Art today?

It is very simple. Twenty-five years ago, when we started, we were all happy when a community center spun us three paint cans and a little sandwich (laughs). Today, the municipalities, who were throwing stones at us, pay us to paint beautiful facades in their cities. And besides, people appreciate. I really will not complain, if you know what I mean … But I do not forget to remember or say thank you to all those who fought for years to open the doors for us. For me, the problems are not so much outside, but rather within the movement, in the way we, artists, react to each other. Graffiti, Street Art, it’s full of human nature. There will always be jealous guys, guys who criticize. We must think that these people are not the ones who pay our bills…


What are your future projects?

Honestly, I’m not a big fan of communication or social networks and I do not really care if people know where I am. The photos I publish on Instagram are six months old usually. I protect my person and my privacy. So, yes, I have a second solo show in preparation. For the rest, people can see my works at Street Art City and they will see the new ones after they are painted.


If you could fulfill a dream and paint anywhere, what would you choose?

I would paint on a satellite that rotates around the Earth, one that people could photography with the background image of the Earth… If NASA invites me, I will not say no, why not? « The sky is not the limit, it’s just the beginning ». (Laughter)


A conclusion ?

If I can express myself freely: today, at forty, when I paint, it is mainly pleasure. Unfortunately, many artists take the lead in messing with some, with others, forgetting that it was just a « bowl » at first … And I think we lost this notion of pleasure, which should be essential to our art. I try to find this dynamic, I try not to make war against others, not to take my head on people. If I have nothing good to say about an artist, I stay quiet, I paint for myself. Because the essential motivation of my art is first and foremost pleasure.3

#streetarturbain #urbanstreetart #streetart #graffiti #expo #installation #graff #creative#artoftheday #artistoftheday #urbanart #artwork #globastreetart #art #fanart #paint #acrylic#painting #spraypainting #stencilart #stencils #stenciling #art #zeso  #streetartcity #artwork #artlover #painting #painting #drawing #drawingart#drawingstyle  #grafittiporn #grafittiart #inthestreets

Ciudades de oro: cuando el arte callejero honra las civilizaciones perdidas

05e3 Aztec Head

Por Michel Fily, 23 de octubre de 2018

A diferencia de los países europeos donde el arte callejero se practica en el límite de la legalidad, América Latina siempre ha sido propicia para el desarrollo del arte callejero, autorizado y plenamente integrado en las costumbres del país. Estas obras y sus artistas, que combinan tradiciones artísticas nacionales con nuevas olas, cada vez más numerosas y reconocidas, comienzan a suscitar un enamoramiento internacional.


Entre estos artistas callejeros de América del Sur, varios (así como otros artistas estadounidenses y europeos) han elegido rendir homenaje en su trabajo a las grandes civilizaciones antiguas, Maya, Inca y Azteca. Visión general.

El artista mexicano, originario de Tlaxcala, Amauri EsmarqAmauri Esmarq, ha titulado su página de Facebook « Arte para mi gente », un título muy significativo de su enfoque artístico, que pretende ante todo un proceso de transmisión de Su cultura ancestral.


Por ejemplo, este fresco pintado en Campeche, una región del sur de México ocupada por los mayas del siglo X, los mellizos Ixbalanque (« Joven Jaguar del Sol ») y Hunahpu (« Usando una pistola »), dos héroes de la mitología maya. , campeones en el juego de pelota y nacidos para ser grandes magos y luchar contra los señores de la muerte. Fueron los únicos que salieron vivos de Xibalbá, el mundo subterráneo, después de muchas dificultades. Y así se convirtieron en el sol y la luna, para luchar eternamente con la oscuridad y renacer cada día y cada noche, para dar luz a los hombres.


Esmarq escribió un texto para explicar este otro fresco pintado en memoria de los mayas que lucharon contra los primeros « conquistadores »: « Hombre blanco que reclama esta tierra como si todo te perteneciera, tus motivos son los más viles, los más vanos y Los vacíos, no te dejaré tomar mi tierra y la de mis hijos sin luchar … No te lo mereces, no es tuyo y nunca lo será « .

reine rouge 2

El último ejemplo de las muchas hermosas obras de Esmarq, esta pared se refiere al descubrimiento, en 1994 en un templo en la ciudad maya de Palenque, del entierro de una princesa del siglo séptimo. La « Reina Roja » (este nombre le fue dado porque su cuerpo estaba completamente cubierto con polvo de cinabrio rojo, un mineral compuesto de sulfuro de mercurio) fue enterrado con una diadema de jade, una máscara de malaquita, una faja de Jade, collares, pulseras, pulseras de tobillo, cuentas, agujas de hueso, cuchillos de obsidiana y muchas joyas de concha.12963603_10154161266999551_7164979656314344650_n

El artista de graffiti Chris Dyer, de Perú, vive y trabaja en Montreal hoy. Es conocido mundialmente por sus obras psicodélicas en patinetas. Hizo su debut en Street Art en 1993, marcando muchos de los muros de la ciudad en Lima. También pintó en el corazón de la selva peruana. Sus frescos energéticos y vibrantes, que él llama « Creaciones positivas », también rinden homenaje a los guerreros mayas, sus animales totémicos (como el Jaguar) y sus templos. Ha colaborado con otros artistas sudamericanos.


Sune Nesu es una artista urbana mexicana que esencialmente pinta tótems de animales claramente inspirados en las estelas mayas e incas de su tierra natal. Sus ingeniosas y coloridas paredes también abordan el tema del Jaguar (Ocelotl), sujeto fetiche animal y objeto de sacrificio Maya, pero también muchos animales del calendario astrológico maya, como el lagarto (Cuetzpallin), el halcón (Cuauhtli), la serpiente. (Coati), el ciervo (Mazatl), etc. Pronto será el invitado de Superposition y Street Art City en Francia.

da cruz rue de l_Ourcq

El autodidacta artista de graffiti de París, Da Cruz, se inspiró en sus muchos viajes a Sudamérica para pintar las paredes de su distrito natal de Ourcq, en el distrito 197 de París. El encuentro con estas culturas ancestrales (las máscaras de las culturas precolombinas lo han marcado particularmente) ha forjado un estilo primitivo característico. La serie animada de televisión « The Mysterious Cities of Gold » fue su programa favorito cuando era niño.


Otro artista mexicano conocido por su defensa de la cultura popular de su país, Farid Rueda, oriundo de Xochimilco, México, también pone los fetiches de esta cultura en sus frescos, estilizándolos de una manera muy inspirada en los gráficos. Maya. También pinta guerreros mayas con cascos de bestias salvajes y aves.


Ache-b (Alexander Bustamante) es de Bogotá y vive y trabaja en Buenos Aires hoy. Impulsado por la necesidad de descubrir el patrimonio cultural latinoamericano por sí mismo, en 2007 decidió emprender un largo viaje por tierra desde Colombia hasta Argentina. Persigue esta búsqueda en 2010 con un viaje a Brasil, luego se instala definitivamente en Argentina en 2011. Son principalmente personajes, indios amazónicos, magos, chamanes, que pintó en las paredes de estas ciudades.


El artista mexicano de la calle Tonalli JaguarTonalli Jaguar ha reclamado su identidad cultural al elegir el nombre de su artista. El « tonalli », en la mitología azteca, es uno de los tres componentes del ser humano. Es un concepto que designa la energía vital de un ser vivo, que se localiza en la cabeza de acuerdo con la medicina tradicional azteca. El jaguar (« Tezcatlipoca ») es el dios del sol de su mitología. Aquí hay algunos ejemplos del trabajo de Tonalli Jaguar que pintó, entre otros temas, « Coatlicue », diosa de la fertilidad y la tierra en la mitología azteca, así como muchos tótems y personajes de esta cultura.


Adrián Takano Rojas es un artista urbano residente en Puerto Vallarta, México. Su arte también está inspirado en la cultura amerindia tradicional. Sus paredes son visibles en Chile, Argentina, Colombia y México.


La civilización y los jeroglíficos aztecas y mayas están en el corazón de la inspiración del artista de graffiti Mario Edward Mancia Nunez, también conocido como Dsyple Artfiend (Born Free). Este gran retratista que combina brillantemente el dibujo y la caligrafía ha producido varios frescos de guerreros, tótems y dioses aztecas.


Entre los muchos otros artistas que tratan estos temas, los argentinos Chris Herrera (aka Kiki)Niko BlueberryTapia y Guri, los mexicanos Rilke Guillen (Rilke Roca) y Saner, el peruano Dalexo, y el chileno Inti







#streetarturbain #urbanstreetart #streetart #graffiti #expo #installation #graff #creative#artoftheday #artistoftheday #urbanart #artwork #globastreetart #art #fanart #paint #acrylic#painting #spraypainting #stencilart #stencils #stenciling #art #amerindien #azteque #incas #mayas #southamerica #artwork #artlover #painting #painting #drawing #drawingart#drawingstyle  #grafittiporn #grafittiart #inthestreets

« The sky is not the limit. It’s just the beginning » : ZESO, un artiste exemplaire

Par Michel Fily, le 18  octobre  2018



Né en 1978 en banlieue de Lyon, ZESO s’est initié au lettrage et aux tags dès l’adolescence. Il a continué à graffer pendant ses études de cuisine et pendant qu’il travaillait pour de grandes maisons françaises, comme celle de Guy Savoy. En 2005, il a quitté la France pour New York, ville dont il rêvait depuis toujours et où il a vécu plus de dix ans. ZESO a peint dans toute la « Big Apple », mais aussi dans de nombreuses villes partout aux États-Unis. Son art a marqué la scène New-Yorkaise du Street Art, en même temps que celle-ci l’a imprégné de ses images et de ses codes, créant un art très abouti et impressionnant de complexité.

Urban Street Art Urbain a rencontré ZESO à l’occasion de son live-painting d’un container de camion, à Street Art City


Qui es-tu, ZESO ?

Mon blaze n’a pas de signification particulière, c’est juste un assemblage de lettres que j’ai trouvé esthétique, quand j’ai démarré avec le graffiti. Je graffe depuis 30 ans environ. Je fais partie, depuis 2010, du collectif New-Yorkais « WF », mais aussi d’autres « Crews », un peu partout dans le monde… J’ai commencé par faire des tags, puis je suis passé aux personnages, un peu avant de partir à New York, en 2005. À partir de 2008, je me suis consacré exclusivement à la peinture, de manière très intensive. J’ai peint beaucoup à New York, Philadelphie, Houston, Baltimore, Austin Texas, San Antonio, Londres, Barcelone, Osaka…


Ton premier solo-show s’intitulait [DEPORTED], pourquoi ?

Parce quand j’ai vécu à New York, j’étais un sans-papiers. J’avais un compte en banque, je payais mes taxes, mais mon premier visa n’a jamais été renouvelé. J’étais comme un Mexicain… Et lorsqu’en 2016, j’ai été invité à peindre une grande fresque dans la ville frontalière d’El Paso, au moment de réintégrer le territoire américain, j’ai été bloqué et expulsé. Je raconte cette histoire et mes souvenirs New-Yorkais dans l’exposition.


Ta collaboration avec Street Art City, ce n’est pas seulement ce solo-show  ?

Non, j’ai peint de nombreux murs à Street Art City, des containers, des camions… J’y suis resté sept mois en résidence, la première année. J’ai réalisé la chambre 069 de l’Hôtel 128. Depuis, j’enchaine les murs et les toiles. Et je prépare un nouveau show pour 2019…


Quels sont tes techniques et tes supports de création ?

Je travaille essentiellement le pinceau et la bombe, tout à main levée, sans projecteurs et sans quadrillages, pour l’instant. J’utilise parfois le collage… Je fais du « Free Style » et c’est presque plus facile sur toile que sur murs, parce que dans mon studio j’ai toutes mes couleurs à disposition et c’est moi qui fais mes propres mélanges. J’aime la couleur. Pour l’instant je peins à l’acrylique, mais j’ai envie d’attaquer la peinture à l’huile. J’aime les surfaces bien planes, parce que je fais beaucoup de petits détails. J’ai peint des murs, des trains, des containers à verre, des containers de camions et sur toute sorte de matériel urbain. Il y a peu de temps, je suis parti à Bristol avec mon pote SOIR2 et on a peint sur l’autoroute en vandale. Je ne le fais plus aussi souvent que quand j’étais jeune, seulement 10% de mon travail se fait en mode vandale aujourd’hui, mais j’aime bien. C’est agréable de retrouver, à quarante balais, cette adrénaline (rires)…


Et quelles sont tes inspirations ?

Mon travail s’inspire beaucoup des États-Unis et de la ville de New York. Mais aussi du graffiti : d’artistes comme MODE 2, un londonien qui a beaucoup travaillé à Paris et qui est l’un des pionniers du graff européen ; KEN2, un allemand qui fait des BBOY de malades ; EVOK… Il y en a plein. Et aussi tous les petits jeunes qui débarquent en ce moment sur la scène Street Art. Ils sont nombreux et ils ont vraiment beaucoup de talent. La peinture traditionnelle elle aussi m’inspire : Klimt, Caillebotte… J’adore le Manga Akira et l’artiste japonais Manabu Ikeda. J’aime beaucoup l’architecture aussi…


Parle-nous de ton rapport avec ton public ?

J’essaie d’être abordable, que ce soit dans des lieux d’exposition ou dans la rue. Parce que je pense que ce n’est pas nécessaire de faire la gueule, ni de se raconter qu’on est des « gros méchants », nous les graffeurs… Et je constate que les gens sont très ouverts. Plus aujourd’hui que par le passé. Le contact se fait plutôt bien. Dans mon art, il y a des objets qui se répètent, comme les avions en papier, les bateaux… Les gens sont curieux, ils me questionnent souvent sur ces motifs répétitifs, ils essaient de comprendre…OLYMPUS DIGITAL CAMERA

Pourquoi ces motifs, alors ?

Depuis quelques années, je travaille à créer mon propre univers. Au départ, j’ai peint le premier avion en papier simplement parce que je trouvais ça joli. Puis, j’ai commencé à en mettre un peu partout. Un jour où je n’en avais pas dessiné, tous mes potes m’ont demandé : « Il est où, l’avion en papier ? » (rires). Et j’ai compris que ça constitue mon identité d’artiste, que même si les gens ne se souviennent pas de mon blaze, ils diront : « Ah, c’est le mec qui peint des avions de papier, le mec qui peint des bateaux, des phares, des tentacules… ! » Je ne conserve pas toujours tous ces éléments, parfois j’en crée de nouveaux, mais ça construit mon monde.


Que penses-tu du Street Art aujourd’hui ?

C’est très simple. Il y a vingt-cinq ans, quand on a commencé, on était tout heureux quand une MJC nous filait trois bombes et un sandwich (rires). Aujourd’hui, les municipalités, qui nous jetaient des pierres avant, nous paient pour peindre de superbes façades dans leurs villes. Et en plus, les gens apprécient. Je ne vais vraiment pas me plaindre, si tu vois ce que je veux dire… Mais il ne faut pas oublier de se souvenir ni de dire merci à tous ceux qui se sont battus pendant des années pour nous ouvrir les portes. Pour moi, les problèmes ne se situent pas tant à l’extérieur, mais plutôt à l’intérieur même du mouvement, dans la manière dont nous, artistes, réagissons les uns par rapport aux autres. Le graffiti, le Street Art, c’est plein de nature humaine. Il y aura toujours des mecs jaloux, des mecs qui critiquent. Il y a une expression américaine que j’aime et c’est « Nobody pays my bills ». Il faut penser que ces gens-là ne sont pas ceux qui paient nos factures.


Quels sont tes projets futurs ?

Je vais être honnête, je ne suis pas un grand fan de la communication ni des réseaux sociaux et je n’aime pas trop qu’on sache où je suis. Les photos que je publie sur Instagram ont six mois, en général. Je protège ma personne et ma vie privée. Donc, oui j’ai un second solo-show en préparation. Pour le reste, les gens peuvent voir mes œuvres à Street Art City et verront les autres quand elles seront peintes.


Si tu pouvais exaucer un rêve et peindre n’importe où, que choisirais-tu ?

Je peindrais sur un satellite qui tourne autour de la Terre, mais qu’on pourrait prendre en photo, avec en fond d’image la planète. Si la NASA m’invite, je ne dirais pas non, pourquoi pas ? « The sky is not the limit, it’s just the beginning ». (rires)


Une conclusion ?

Si je peux m’exprimer librement : aujourd’hui, à quarante ans, lorsque je peins, ce n’est que du plaisir. Malheureusement, beaucoup d’artistes se prennent la tête à faire des embrouilles avec les uns, avec les autres, en oubliant que c’était juste un « kiff » au départ… Et je trouve qu’on a perdu cette notion de plaisir, qui devrait être essentielle à notre art. Moi j’essaie de retrouver cette dynamique, j’essaie de ne pas faire la guerre aux autres, de ne pas me prendre la tête sur les gens. Si je n’ai rien de bien à dire sur un artiste, je me tais, et puis voilà. J’essaie d’être tranquille et de peindre pour moi. Parce que la motivation essentielle de mon art, c’est d’abord le plaisir.


#streetarturbain #urbanstreetart #streetart #graffiti #expo #installation #graff #creative#artoftheday #artistoftheday #urbanart #artwork #globastreetart #art #fanart #paint #acrylic#painting #spraypainting #stencilart #stencils #stenciling #art #zeso #deported #streetartcity #artwork #artlover #painting #painting #drawing #drawingart#drawingstyle  #grafittiporn #grafittiart #inthestreets

« Murs Murs 2» : Dominique Lafon expose ses photographies à Carpentras

Par Michel Fily, le 10 octobre  2018 Dans le cadre de la prochaine parution, début 2019, de son ouvrage « Israël Street Art », aux éditions Omniscience, la photographe Dominique Lafon a présenté, du 24 septembre au 6 octobre 2018, une double exposition de ses photographies tirées sur aluminium texturé, aux Salles Voutéés de la Charité et au … Continuer à lire … « « Murs Murs 2» : Dominique Lafon expose ses photographies à Carpentras »

Par Michel Fily, le 11 octobre  2018


Dans le cadre de la prochaine parution, début 2019, de son ouvrage « Israël Street Art », aux éditions Omniscience, la photographe Dominique Lafon a présenté, du 24 septembre au 6 octobre 2018, une double exposition de ses photographies tirées sur aluminium texturé, aux Salles Voûtées de la Charité et au Drôle d’Oiseau, au cœur de la vieille ville de Carpentras. Urban Street Art Urbain l’a rencontrée.


Dominique Lafon est photographe depuis plus de trente ans. En 1989 elle exposait pour la première fois, en Provence puis à Paris, une série de ses photographies tirées d’un voyage au Tibet. C’est à New York, en 1994, qu’a eu lieu sa toute première rencontre avec les murs tagués de Brooklyn, mémoriaux improvisés en hommage aux jeunes membres de gangs tués sur les trottoirs. Ce travail photographique argentique, en noir et blanc, a fait l’objet d’une exposition aux États-Unis.


Dominique Lafon a travaillé pour le magazine français « Résidence Décoration » et ses reportages-photos ont été publiés dans la revue américaine « Arts & Antiques ». En 2011, lors d’un voyage de loisirs en Israël, elle est tombée amoureuse de l’art urbain régional qu’elle a photographié abondamment, initiant un remarquable travail d’archivage de ces œuvres éphémères, puisque vouées à l’effacement quasi systématique par les services municipaux des villes israéliennes.


En 2012, elle est partie à la rencontre des artistes eux-mêmes, pour dialoguer avec eux et en apprendre plus sur leur discipline et sur leurs motivations. Depuis, elle se rend plusieurs fois par an dans le pays, pour traquer les graffeurs de son objectif chevronné et compléter son travail assidu de documentation.


Plus de 150 de ses photographies seront présentées pour la première fois dans l’ouvrage « Israël Street Art », représentant une quarantaine d’artistes locaux – parmi eux de nombreuses femmes – venus taguer les murs d’Israël. Leur art est immédiat, cru et engagé. Il dit sans détour les souffrances d’une société qui s’est modernisée trop vite, celle du racisme interethnique et de la violence sous toutes ses formes, entre les hommes et contre les femmes…


« Le street art est un puissant  outil de contestation, de provocation et de subversion », explique Dominique Lafon. « Les Street Artistes exposent tous dans la même galerie : la rue. Je me suis perdue dans les rues de Tel Aviv, Jérusalem et Haïfa, le nez en l’air, à la découverte des murs, des portes, des bâtiments abandonnés, des œuvres éphémères des Street Artistes israéliens et étrangers, anonymes, connus ou reconnus »…


« Pour peu qu’on regarde bien, on peut voir de l’art partout autour de nous aujourd’hui, au quotidien. Je le recherche personnellement dans le Street Art. À travers la photographie, je tente de montrer ce que le passant pressé ne va pas forcément voir », ajoute-t-elle.


« Le mouvement de la rue et notre propre mouvement nous empêchent souvent de bien regarder. La photographie suspend ces mouvements et suspend le temps, nous offrant ainsi la possibilité de changer de point de vue et de découvrir ce à côté de quoi nous serions passés sans nous arrêter », poursuit-t-elle encore.


Pour la photographe, la couleur, le trait, la matière, mais aussi le support et jusqu’au contexte urbain et vivant constituent le langage complexe du Street Art qui, comme aucun autre mode artistique, montre à voir beaucoup plus que ce qu’il est.






#streetarturbain #urbanstreetart #streetart #graffiti #expo #installation #graff #creative#artoftheday #artistoftheday #urbanart #artwork #globastreetart #art #fanart #paint #acrylic#painting #spraypainting #stencilart #stencils #stenciling #art #dominiquelafon #israelstreetart #streetartisrael #artwork #artlover #painting #painting #drawing #drawingart#drawingstyle  #grafittiporn #grafittiart #inthestreets