« I would like to paint on the wind »: the birdmen of Parvati

By Michel Fily,  May 24, 2019


Franco-Indian artist born in the Amazon, Parvati evokes through her bird headed characters a parallel between migrants and migratory animals. The plants that surround them echo the rainforest where the artist grew up. Onirism, an essential feature of her work, is reflected in her paintings as well as on her walls. Urban Street Art Urbain met her during Collisions urbaines, the warm up of the sixth edition of the Urban Art Jungle Street Art festival, organized by Superposition.


Hello Parvati, can you introduce yourself to the readers?

My name is Parvati, I’m a Street Artist and I’m half Indian and half French, even if it does not show at all. I look a lot like my dad, but I have the skin color of my mom who is French. My artist name is, in fact, my middle name. It’s a very common Indian name and it’s also the name of an Indian goddess. Parvati is the sacred feminine principle. I was born in French Guiana, in a hippie community, the heart of the Amazon rainforest. I have been working on the street for four years. I started exhibiting at the same time. But I draw since I was very little. I did not study art, I studied project management in sustainable development, a subject to which I remain attached. As a teenager, I took courses in academic drawings from a very good teacher who gave me a solid background, technically and artistically. I live today in Chalon-sur-Saône, I come regularly to Lyon, especially for my collaborations with Superposition, to meet artists friends and to paint.


What triggered your career?

I did not start on the street. After finishing my studies, I could not find work and friends offered to exhibit at a small festival. Most of them did not even know I was drawing before that and I myself did not really believe in my art. I was extremely surprised when I was told that I had sold all my drawings. It was in 2012. The exhibition organizers decided to print a first book of my works. One of the printers liked it and told me that the municipality of Chalon offered start-up grants. I applied and received a scholarship, which allowed me to finance a basic material, then, thanks to several successive partnerships, I exposed at the media library and in different structures of the city. These first exhibitions and the application file that I had to prepare for the scholarship allowed me to start a real artistic reflection and to go further than my simple desire to paint, to think about what I wanted to say through my drawings and about the « why » of my art.


How has your technique evolved?

At the opening of the third exhibition of this series, a couple of Street Artists, Chim and Za, proposed me to join their collective, the Larue workshop, allowing me to make the link between my exhibitions and my work in the public space. With them, I made my first collages on outside walls and collaborated on several exhibitions and events. Then I started to do things alone, murals, introducing myself to the techniques of the bomb and the brush, which remains today my main tools of creation. The Larue collective ceased its activities a year ago. Today, I work mainly alone, mainly by street collages and painting for « live paintings » and fresco commissions. I am quite slow in my work. The collage has the advantage of allowing me to take the time to paint my designs in my workshop. But sometimes I mix both techniques: the character with collage and the decor painted directly on the wall.


Do you collaborate with other Street Artists today?

I’ve worked a lot – a little less now because she’s less involved – with Za who initiated Larue. I have been working for a year with Autruchet, who is a graphic designer. He incorporates digital painting decorations around my characters. I’m also connected to the Street Artist Mani, which I already knew, but really met through Superposition. We became friends, we exchange a lot about our practices, we advise each other a lot and we have ideas of projects in common. At the time when we met, we were at about the same stage of our artistic career, in full experimentation of the streets, and asking ourselves the same questions, both technical and philosophical, and I think we found a real binomial one in the other. We will be leaving at the end of May to both go in residence in Can Alià and this will be our first real artistic collaboration. It’s a hybrid place in Barcelona that invited us to participate in a Street Art project and to exhibit in their showroom.


What are your techniques and media?

I work mainly by collage, on Kraft paper, painting in Indian ink for bodies that are black and white. I draw human characters with bird heads, on a large scale. Previously, I painted these heads, which are colored, with acrylic paint, but I decided recently to stop, because it is not in agreement with my ecological beliefs. Today, I use casein-based paint, an old technique that was abandoned with the arrival of oil and chemicals. In addition, I stick with flour glue that I make myself. This allows me to have the less destructive approach from an environmental point of view. I have plans to make my own paintings in the future. Today I work with primary and I master my mixtures by myself. The stencils I use to make my backgrounds and patterns on walls are inspired by traditional South Indian craftsmanship and patterns on women’s saris. I get these patterns, redraw them and then cut them to make my stencils. Regarding the media, I work mainly on paper, on walls and on canvas.


What are your influences and inspirations?

My influences do not necessarily come from the visual arts, but I had a huge revelation when I discovered, as a teenager, the work of Ernest Pignon Ernest, one of the first Street Artists to have worked black chalk and charcoal on paper, with silhouettes on a human scale. I feel heir to this great artist. Among the younger artists, Levalet has also greatly influenced my work. And I really like the works of Eric Lacan (Monsieur Qui). I also draw my inspiration from my readings, science fiction books and Heroic Fantasy. When I was a child, my mother read me many traditional tales from around the world. My universe is very dreamlike and my very first artistic projects were really oriented around the dream and how the unconscious could be a source of inspiration. I experimented painting under hypnosis and I reproduced in drawing some of my dreams. I still do it today. My first character with a bird’s head is a dream memory.


Why did you decide to make birds the central topic of your work?

I was born in the Amazon, surrounded by plants, wild animals and birds, and my relationship with nature has always been strong. The plants that surround my characters are a reminiscence of that nature in my childhood. Birds’ heads come to answer my upheaval in front of the problem of migrants. Because of my family history, geographically extended, I naturally identified with those people who are rejected everywhere they go. I am currently fighting in several associations to defend their cause. And in my art I wanted to draw parallels between migrants and migratory birds. I did not want to approach human migration in a sad or in a moralistic way, we live in a society that is already quite anxious. I wanted to imagine a utopia, where they could be perfectly integrated in our societies and where they could be passersby among the passersby. It is this idea that I try to reproduce by drawing them on a human scale before sticking them on the walls. When you take pictures on the street, it really feels like they’re part of the crowd.


What emotions, what reflections are you trying to convey to the public who look at your works?

I try to transmit a way to the dream, clearly. An open door. The dream is, for me, the space of all possibilities, limitless, and by opening the eyes of people to this space, I try to take them out of their daily lives, of their worries. My bird-men do not summon the audience; they appear by chance and cause surprise. There are people whom they leave indifferent and others whom they move. And these are always transported to their own imaginations, to their own dreamworlds… The first bird-headed figure I had stuck in Lyon carried a briefcase in his hand. I came back the next day to photograph it as a father stopped there with his two children. The little boy called the father and said, « Look daddy! Mr. Sparrow goes to work! « . I found it fantastic to see how he made a story from my collage. It happens regularly that strangers repair my collages, after the wind and the rain have deteriorated them. One of them is stuck under some ivy and there is someone who cares to carve it around so that it does not cover the drawing. I like these interactions that prove to me that the public really appropriates my works.


Can you talk about your meeting with Superposition?

I met the team of Superposition in 2017, after a call to artist launched on social networks for the second edition of the Urban Art Jungle. I answered the call and they selected me. It was an instant and reciprocal crush. I have not yet done a solo show at SITIO, but I participated in « One Shot« , « Mutations urbaines », « Urban Pop Up » and « Métamorphe« , in addition to « Urban Collisions« . And I’m going to participate in the next Urban Art Jungle festival, in June 2019.


Do you consider yourself an urban artist?

I think this word means everything and does not mean anything at the same time. I grew up in nature and I have no Street or Hip Hop culture, despite my great respect for this movement. My love for the street comes from elsewhere and that poses no problem. The Street Art community is free and open. I do not know if I consider myself an urban artist, I know that I am an artist. And I happen to stick sometimes out of the city, in little corners of the countryside… I do not differentiate between Street Artists and painters and, because I work with a brush and with painting techniques I feel as much as a painter than as Street Artist, even though my favorite medium is clearly the wall.


What do you think of the evolution of Street Art?

I think it’s a great movement, because it has no grandiloquence. And yet it has become an artistic movement in its own right and of great importance today. It has allowed many women to create. Beyond the common media that is the wall, Street Art has opened the possibility of expressing itself with different aesthetics, with many different messages. It’s a place of incredible freedom. We are far from conceptual contemporary art galleries with a need for complex and constructed artistic discourses. I do not reject this reflection, but the most important is, for me, the result work and what we see. Nothing makes me sadder than someone who says, « I can’t say if I like it or not, because I don’t know anything about the subject ». If a work touches people, I want them to be able to say it. In my opinion, there is no need to have gone to an art school or a faculty of art history to express ourselves on the subject. With Street Art, we returned to a direct relationship with beauty that had been lost with Duchamp and the contemporary art. It was necessary at that time of the history of art. With the advent of Street Art, a page turns and it’s a good thing.


What are your current projects?

I am now exhibiting at the Lavomatik in Paris. The inauguration took place at the same time as « Métamorphes » in Lyon. I also made a mural on the wall of the Lavomatik. In June, I will participate in a project called « Boards to be solidaire » for the “Secours populaire”. I also participate in the « Venus » project, which fights for the prevention of breast cancer. My next projects will take place in rural areas, two festivals in very small villages, in Saône-et-Loire and Berry, which have asked me to come and I am delighted to do so.


What do you think about your success and where do you stand from your dreams?

Where do I stand from my dreams? I would say « right in »! I have always tried to make my life fit with what I dreamed of being when I was a child. When I ask myself questions about life, I always ask myself this question: « Does your life look like your childhood dreams? » and I always make sure to respond positively. As for success, I would say it’s something relative. I am delighted if what I do touches people, I am delighted to be able to live from what I create. I don’t care too much about success…


If I was the genie of Aladdin’s lamp and you could raise three vows, which would they be?

I have a thousand wows (laughs)… But if I had to choose one, it would be to be able to draw on the clouds. It would be wonderful. Painting on the wind…







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« It’s not the message that interests me, it’s the language »: Don Mateo’s sculpture-paintings

By Michel Fily, May 17, 2019


Erudite and diligent Street Artist, Don Mateo impresses as much by the incisiveness of his cut-out portraits as by the depth of his reflections. After having painted his famous faces of women on the walls, he now creates stencil negatives that he sculpts and puts in abyss or in light. Urban Street Art Urbain met him on the occasion of his « Portrhands » exhibition, at the Epicerie Moderne, inaugurated in partnership with the Peinture Fraiche festival. Portrait of an actor-thinker of urban art.

11Hello Don Mateo, can you introduce yourself to the readers?

I am from the Jura region, in France. I studied at the Beaux Arts Academy until 2003. After my academic training, I went abroad to Spain, Sweden and Denmark. I did not come back to create in Lyon until 2010. I started by painting on canvases and I accumulated paintings. I had them all over my house. But I realized that I was missing the exchange with the public. That’s why I started painting outside again. At first, I stuck little things, portraits here and there. Then a little more, a little higher, a little bigger. It was a real discovery in the early 2010’s, a boulevard to explore…


I have, from the beginning, oriented my research around the representation of the figure, associated with the urban space, both on canvases and on walls, cyclically. Each one feeding the other. What I like is to paint; on canvas, on wood, on walls, I am very free with this desire. There were times when I only wanted to work in the streets. And other times when I wanted to work only on media. I do not constrain myself. My workshop is located on the slopes of the Croix-Rousse neighborhood in Lyon. I integrated it five years ago.


What was the main trigger of your desire to create on the street?

It basically answered my need for freedom and my desire to be totally independent. This may seem contradictory, considering the illegal character of Street Art, but the street has indeed given me a form of freedom, to the extent that with it I was no longer obliged to go through a galleries or exhibitions – with all the constraints that they implie – to carry out my projects. I was able to share my work in an immediate and direct way with the public, without intermediaries nor owing anything anyone. Before the Street Art movement, when an artist had an idea, it had to be presented to gallery owners, exhibition venues, and he had to seduce them, to sell his project. It’s something I don’t know how to do and I don’t like to do. I freed myself from it, thanks to the street. One of the main components of Street Art, in my opinion, is, above all, freedom. Then it’s an infinite creative space. I play with the walls, with their grains, with the colors of the coatings… Finally, there’s a playful aspect in this form of art, related in my opinion to childhood. We all upholstered our rooms with drawings and posters when we were younger. Street art is the same thing, on a larger scale. You start with your neighborhood, then, gradually, your city becomes your playground… I also painted in Paris, in Latin America and in Jordan…


How has your technique evolved?

I always worked the portrait, but I went from stencil to painted paper cut. It’s a kind of upside down stencil, in relief. This evolution happened because I had reached the end of my technique and I was missing something. I lacked gesture and soul. The stencil erases the imperfection and prevents accidents. It allows, certainly, to paint quickly something effective, but for me who comes from the drawing, it lacks the « instinctive » aspect. I did my first paper cut portrait four or five years ago. The postulate is that of « contradicting » the stencil, bringing back the movement, the drawing, the accident, and also preserving what others usually throw away. Then, playing with the light, with fullness and emptiness. I slightly distance the cutouts from their supports, to create an effect of shadow and depth. The act of creation interacts with the cutting. It’s a bit like a second drawing, with a scalpel. And then they are unique pieces, unlike stencil works that can be multiplied.


You mainly paint women…

What centralizes my work is the portrait, the figure. Mainly the female figure. Each piece is different and each has an emotion of its own. It’s a language, a perpetual search. You could think of a systematic aspect, but that is not the case at all. I work emotions, looks. Right now I’m using hands to work the movement and the line. The portrait is actually a pretext. What interests me is the curve, the color… I find in the feminine motive much more interesting information than in the male motive. But that remains a motive. Cezanne said that he painted a model as he painted an apple. For me, it’s a little bit the same. I find more information in the feminine motive, among others, because they have hair, and the hair allows me to work the line.


Your works are white, black, red… A small number of colors, but very much contrasted…

It is to go against what is found elsewhere. Graffiti is often saturated in color. I wanted to do the opposite, to purify and let the work breathe. The emptiness is very important in my art. But it doesn’t mean it’s empty. It gives breath, it allows the eye to circulate… I paint mainly with primary colors, which are often there to bring soul to the characters. These colors placed on the canvas or on the wall allow me to « contradict » a little the paper cut, to create more relief. The line is hyper instinctively posed, so that it becomes a kind of DNA to my character. Like a footprint, like the soul, which are unique…


What message do you want to convey to people who discover your works?

This is not the message that interests me. I’m not saying that I do not want to convey anything to the public. But I do not want to control it. After much research, I realized that what interests me is not the message, but the language. It’s fundamentally different. I understood recently that it is a mistake to focus on the message. The messages, there are not a hundred thousand. Art speaks of love, of life, of death, of religion, of sex… Take the history of art: what do we retain mainly today of a painter like Picasso ? Not his messages, but his language. What could be the message behind the « Demoiselles d’Avignon »? Prostitution? No, there’s no message. What’s important in this picture is Cubism!


And if there’s a message, it must serve the language?

Absolutely. Otherwise it’s just illustration. The work is only there to illustrate a subject. To make art is to create something that escapes us. Léo Ferré said: « When I write, I do not know where it comes from. It falls on me, it’s not me who writes. It’s my hand. » I feel the same when I create. When I cut and at all stages of my creation. If I have a clear idea of what I want to do, the result is usually bad. But when I let go of my mind, when I « let go », without asking questions, there are always very interesting things that happen and surprise me.


You recently started doing monochromes…

These are recent pieces, not quite monochrome, rather black on anthracite gray. The objective was to question the light, getting closer to Soulages issues… To « disturb » the look and to ask the viewer to make an effort to find the line, to recompose, to look for the forms, which are also close to the abstract, for these new works. Glances are also hidden there. One must take the time to observe well… These are the premises of a new stage, in which I want to take this portraits, from something hyper figurative to something closer to the abstract. Unfortunately this disappointed a certain part of my public, the one who likes to be reassured, to see what they can recognize. In urban art, when a work pleases, everybody wants to see its copy everywhere. I find it crazy that people are surprised when an artist evolves…


What are your inspirations?

There are several of them. I have no particular reference in terms of urban artists. I would rather cite classical artists, those who have always guided my work. Those who comfort me when I’m in doubt. Among those, there is Georges Brassens, his texts and his thoughts… He is one of my pillars. Among visual artists, there are, of course, the paintings of Alberto Giacometti, where this notions of movement and line are found. Gérard Fromanger, less known, is a French artist who started with narrative figuration, in the sixties, and who has evolved a lot today. He works on photosynthesis, pictures he projects and on which he paints. He uses photography as a basis to draw form it its essence. Today he works on lines… I’m also a fan of Mark Rothko and his abstractions, works which explore the accident, the vibration of the color, uncontrolled and unmaintained. There’s Pierre Soulages, of course. There’s also Robert Rauschenberg, who in the 1960s transformed his paintings into sculptures, like in his most famous piece where a stained eagle is placed on the painting. My painting is also a kind of a path between painting and sculpture. It is neither painting nor sculpture, it is both of them at once, and at the same time it is neither of them. The master Giacometti gave a great interview five or six years before he died, in his workshop, during which he explained, with his Italian accent: « I sculpt, these men on the move, these characters, and I say to myself: one day I will find… For now I am just looking for…” He said these words at a time when his career had been long established. At the end of his life, he still doubted. I keep this sentence as an important safeguard in my moments of uncertainty. If this genius searched all his life as I am searching, then I am in good company…


What do you think of the evolution of Street Art?

It is the continuation of contemporary art. I mean, it’s an art movement in its own right. And what’s great is that it’s the first movement in the history of art that has appeared simultaneously all around the world. The births of the great artistic movements have always been linked to economic situations in certain countries or on certain continents. Surrealism in Paris and Europe, Pop Art in the United States… It’s not the case with Street Art because, from the beginning of the movement, Street Artists started to create in Australia, in France, in Ireland, in Lebanon … As for its origins, can we really compare the walls of Diego Rivera and the first tags of Jean-Michel Basquiat or of Taki 183? The movement may have been born in New York with the gangs, but we can also go back to the Lascaux caves…


What are your last and future projects?

I was very recently in residence in Jordan, for a festival of ten days, the « Baladk Project« , in Amman. We were six international artists from Sweden, Colombia, Germany, mainly Europeans. When I came back, I p        ainted a wall at the Peinture Fraiche Street Art festival and I also hosted a Workshop at “l’Epicerie Moderne”, an alternative culture center next to Lyon, in partnership with the festival. I will soon realize the new “Marianne” of the city of Chenôve, near Dijon. This mural will become the symbol of the city. It’s a modern and mixed Marianne that a painted crowd comes to build. And one cannot decide if her hat is a Phrygian cap or a simple woolen hat… I will finish this wall project on the occasion of the “Heritage Days”, in September 2019.


If I was the genie of Aladdin’s lamp and you could raise three vows, which would they be?

I do not have the madness of fame and money… I would like just to keep on the passion… My dream has always been to do what I love, to paint, to paint from morning till night. My wish is to keep on doing that. To paint everywhere around the world. I would also like to publish a book. I write a lot at the moment, I have lots of notebooks; it’s a way of expression that I like, but which remains intimate. I would like to illustrate my thoughts as an artist with images of my paintings. We, Street Artists, do not often have the opportunity to talk about art. It’s quite rare…


Is there a question I did not ask you that you would like to answer?

What seems primordial to me is this questioning of the language. For years, I wasted time trying to find messages and it took me a long time to realize that I was wrong. We must not think of the message, we must think of the language and the message must come to serve this language. It’s my truth, maybe it’s only mine, but it is that truth which feeds my art.







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« Je voudrais peindre sur le vent » : les hommes-oiseaux de Parvati

Par Michel Fily, 20 mai 2019


Artiste franco-indienne née en Amazonie, Parvati évoque à travers ses personnages à têtes d’oiseau un parallèle entre oiseaux migrateurs et migrants. Les végétaux qui les entourent sont un écho à la forêt qui l’a vue naître. L’onirisme, caractéristique essentielle de son travail, se retrouve tant sur ses peintures que sur ses murs. Urban Street Art Urbain l’a rencontrée lors de Collisions urbaines, le warm up de l’Urban Art Jungle Festival #6 de Superposition.


Bonjour Parvati, peux-tu te présenter aux lecteurs ?

Je m’appelle Parvati, je suis Street Artiste, je suis à moitié indienne et à moitié française, même si ça ne se voit pas du tout. Je ressemble beaucoup à mon papa, mais j’ai la couleur de peau de ma maman qui est française. Mon nom d’artiste est, en fait, mon deuxième prénom. C’est un prénom indien très courant et c’est aussi le nom d’une déesse. Parvati, c’est le principe sacré féminin. Je suis née en Guyane française, dans une communauté hippie, dans la forêt au cœur de l’Amazonie. Je travaille dans la rue depuis quatre ans. J’ai commencé à exposer à la même période. Mais je dessine depuis que je suis toute petite. Je n’ai pas fait d’études d’art, j’ai étudié le management de projet dans le développement durable, un sujet auquel je reste attachée. Dès l’adolescence, j’ai pris des cours de dessins académiques auprès d’un très bon professeur qui m’a prodigué des bases solides techniquement et artistiquement. J’habite aujourd’hui à Chalon-sur-Saône, je viens régulièrement à Lyon, notamment pour mes collaborations avec Superposition, pour rencontrer des amis artistes et pour coller dans la rue.


Qu’est-ce qui a déclenché ta carrière ?

Je n’ai pas commencé dans la rue. Après avoir terminé mes études, je ne trouvais pas de travail et des amis m’ont proposé d’exposer sur un petit festival. La plupart d’entre eux ne savaient même pas que je dessinais avant cela et moi-même je n’y croyais pas particulièrement. J’ai été extrêmement surprise lorsqu’on m’a annoncé que j’avais vendu tous mes dessins. C’était en 2012. Cette première exposition m’a décidé à faire imprimer un premier book de mes travaux. L’un des imprimeurs a aimé mon travail et m’a dit que la municipalité de Chalon proposait des bourses de lancement. J’ai candidaté et obtenu une bourse, ce qui m’a permis de financer un matériel de base, puis, grâce à plusieurs partenariats successifs j’ai exposé à la médiathèque et dans différentes structures de la ville. Ces premières expositions et le dossier de candidature que j’avais du préparer m’ont permis d’entamer une réelle réflexion artistique et d’aller plus avant que mon simple désir de peindre, de penser à ce que je voulais dire à travers mes dessins et au « pourquoi » de mon art.


Comment ta technique a-t-elle évolué ?

Au vernissage de la troisième exposition de cette série, un couple de Street Artistes, Chim et Za, m’a proposé de rejoindre leur collectif, l’atelier Larue, me permettant de faire le lien entre mes expositions et mon travail dans l’espace public. Avec eux, j’ai fait mes premiers collages sur murs extérieurs et collaboré à plusieurs expositions et évènements. Ensuite, j’ai commencé à faire des choses seule, des fresques murales, en m’initiant aux techniques de la bombe et du pinceau, qui reste aujourd’hui mon outil principal de création. Le collectif Larue a cessé ses activités il y a un an. A présent, je travaille essentiellement seule, par collages dans la rue et à la peinture pour les « live painting » et les commandes de fresques. Je suis assez lente dans mon travail. Le collage présente l’avantage de me permettre de bien prendre le temps de peindre mes motifs en atelier. Mais parfois je mixe les deux techniques. Le personnage sur collage et le décor peint directement sur mur.


Collabores-tu avec des artistes aujourd’hui ?

J’ai beaucoup collaboré – un peu moins maintenant parce qu’elle est moins présente – avec Za qui avait monté l’atelier Larue. Je travaille depuis un an avec Autruchet, qui est graphiste. Il intègre des décors en digital painting autour de mes personnages. Je suis aussi en lien avec le Street Artiste Mani, que je connaissais déjà, mais que j’ai retrouvé par le biais de Superposition. Nous sommes devenus amis, nous échangeons beaucoup sur nos pratiques, nous nous conseillons l’un l’autre et nous avons des idées de projets en commun. A l’époque où nous nous sommes rencontrés, nous étions à peu près au même stade de notre parcours artistique, en pleine expérimentation de la rue, et nous nous posions les mêmes questions, autant techniques que philosophiques, et je crois que nous avons trouvé un vrai binôme l’un dans l’autre. Nous partons fin mai tous les deux prochainement en résidence à Can Allà et ce sera notre première véritable collaboration artistique. C’est un lieu hybride à Barcelone qui nous a proposé de venir participer à un projet de Street Art sur tout un quartier et d’exposer parallèlement dans leur salle d’exposition.

7.jpgQuels sont tes techniques et supports ?

Je travaille essentiellement au collage, sur du papier kraft, en peignant à l’encre de chine pour les corps qui sont en noir et blanc. Je dessine des personnages à têtes d’oiseaux, à échelle humaine. Auparavant, je peignais ces têtes, qui sont colorées, avec de la peinture acrylique, mais j’ai décidé récemment d’arrêter, parce que ce n’était pas du tout en accord avec mes convictions écologistes. Aujourd’hui, j’utilise de la peinture fabriquée à base de caséine, une technique ancienne qui a été abandonnée avec l’arrivée du pétrole et des produits chimiques. De plus, je colle avec de la colle de farine que je fabrique moi-même. Cela me permet d’avoir une démarche peu destructive d’un point de vue environnemental. J’ai le projet de fabriquer mes propres peintures à l’avenir. Aujourd’hui je travaille avec des primaires et je maitrise moi-même mes mélanges. Les pochoirs que j’utilise pour faire mes fonds et mes motifs sur murs sont inspirés de l’artisanat traditionnel du sud de l’Inde et des motifs sur les saris des femmes. Je récupère ces modèles de motifs, je les redessine puis les découpe pour fabriquer mes pochoirs. Pour les supports je travaille essentiellement sur papier, sur murs et sur toiles.


Quelles sont tes influences et tes inspirations ?

Mes influences ne viennent pas nécessairement des arts plastiques, mais j’ai eu une énorme révélation lorsque j’ai découvert, adolescente, le travail d’Ernest Pignon Ernest, l’un des premiers Street Artistes à avoir travaillé la pierre noire et le fusain sur papier, avec des silhouettes à échelle humaine. Je me sens héritière de ce grand artiste. Parmi les artistes plus jeunes, Levalet a lui aussi beaucoup influencé mon travail. Et j’aime beaucoup les œuvres d’Eric Lacan (Monsieur Qui). Je tire aussi mon inspiration de mes lectures, des ouvrages de science-fiction et d’Heroic Fantasy. Lorsque j’étais enfant, ma mère me lisait beaucoup de contes traditionnels du monde entier. Mon univers est très onirique et mes tout premiers projets artistiques étaient vraiment orientés autour du rêve et de comment l’inconscient pouvait être une source d’inspiration. J’ai expérimenté la peinture sous hypnose et je reproduisais en dessin certain de mes rêves. Je le fais toujours aujourd’hui. Mon premier personnage à tête d’oiseau est un souvenir de rêve.


Pourquoi as-tu décidé de faire des oiseaux le sujet central de ton travail ?

Je suis née en Amazonie, entourée de plantes, d’animaux sauvages et d’oiseaux, et ma relation avec la nature est très forte depuis toujours. Les végétaux qui entourent mes personnages sont une réminiscence de cette nature qui a bercé mon enfance. Les têtes d’oiseaux viennent répondre à mon bouleversement face au problème des migrants. À cause de mon histoire familiale géographiquement étendue, je me suis très vite identifiée à ces personnes que l’on refuse d’accueillir. Je milite aujourd’hui au sein de plusieurs associations pour défendre leur cause. Et dans mon art j’ai souhaité établir un parallèle entre les migrants et les oiseaux migrateurs. Je n’avais pas envie d’aborder la migration humaine sous un aspect triste ou moralisateur, nous vivons dans une société déjà bien assez anxiogène. J’ai voulu plutôt imaginer une utopie où ils pourraient être parfaitement intégrés dans nos sociétés et où ils pourraient être passants parmi les passants. C’est cette idée que j’essaie de reproduire en les dessinant à échelle humaine en train de marcher dans les rues avant de les coller sur les murs. Et lorsqu’on les photographie dans la rue, on a vraiment l’impression qu’ils font partie de la foule des passants.


Quelles émotions, quelles réflexions cherches-tu à transmettre au public qui regarde tes oeuvres?

Une ouverture au rêve, clairement. Une porte ouverte. Le rêve est, pour moi, un espace de tous les possibles, sans limites, et en ouvrant le regard des gens sur cet espace, je tente de les faire sortir de leur quotidien, de leurs soucis. Mes hommes oiseaux ne convoquent pas le public, ils arrivent par hasard et provoquent la surprise. Il y a des gens qu’ils indiffèrent et d’autres qu’ils émeuvent. Et ceux-là sont toujours transportés vers leur imaginaire, vers leurs propres univers oniriques… Le premier personnage à tête d’oiseau que j’avais collé à Lyon portait une petite mallette à la main. J’étais revenue le lendemain pour le photographier et un père de famille s’est arrêté devant avec ses deux enfants. Le petit garçon a interpelé son père et lui a dit : « Regarde papa ! Monsieur moineau part au boulot ! ». J’ai trouvé fantastique d’observer comment il s’était fabriqué une histoire à partir de mon collage. Il arrive régulièrement que des inconnus réparent mes collages, après que le vent et la pluie les aient détériorés. L’un d’entre eux est collé sous un lierre et il y a quelqu’un qui s’occupe de le tailler autour pour ne pas qu’il recouvre mon dessin. J’aime ces interactions qui me prouvent que le public s’approprie réellement mes œuvres.


Peux-tu évoquer ta rencontre avec Superposition ?

J’ai rencontré l’équipe de Superposition en 2017, après un appel à artiste lancé sur les réseaux sociaux pour la seconde édition de l’Urban Art Jungle. J’avais répondu à l’appel et ils m’ont sélectionné. Ça a été un coup de cœur immédiat et réciproque. Je n’ai pas encore fait d’exposition solo à SITIO, mais j’ai participé à « One Shot », « Mutations Urbaines », « Urban Pop Up » et « Métamorphe », en plus de « Collisions urbaines ». Et je vais particviper au prochain Urban Art Jungle, en juin 2019.


Te considères-tu comme une artiste urbaine ?

Je trouve que ce mot veut tout dire et ne veut rien dire. J’ai grandi dans la nature et je n’ai aucune culture Street ni Hip Hop, malgré mon grand respect pour ce mouvement. Mon amour de la rue vient d’ailleurs et ça ne pose aucun problème. Le milieu du Street Art est hyper libre et ouvert. Je ne sais pas si je me considère comme une artiste urbaine, je sais que je suis une artiste. Et il m’arrive de coller hors de la ville, dans des petits coins de campagne… Je ne fais pas de différence entre les Street Artistes et les peintres et, du fait que je travaille au pinceau, avec des techniques de peinture je me sens autant peintre que Street Artiste. Même si mon support préféré reste clairement le mur.


Que penses-tu de l’évolution du Street Art ?

Je trouve ce mouvement formidable, parce qu’il n’a pas de grandiloquence. Et pourtant il est devenu un mouvement artistique à part entière et de grande importance aujourd’hui. Il a permis à de nombreuses femmes de créer. Au-delà du support commun qui est le mur, le Street Art a ouvert la possibilité de s’exprimer à plein d’esthétiques différentes, avec plein de messages différents. C’est un espace de liberté incroyable. On est loin des galeries d’art contemporain hyperconceptuel avec une nécessite de discours artistiques complexes et construits. Je ne rejette pas cette réflexion, mais le plus important est, pour moi, l’œuvre et ce que l’on voit. Rien ne me rend plus triste que quelqu’un qui dit : «  Je ne peux pas dire si j’aime ou je n’aime pas, parce que je n’y connais rien ». Si une œuvre touche les gens, je veux qu’ils puissent le dire. A mes yeux, il n’y a aucun besoin d’avoir fait une école d’art ou une faculté d’histoire de l’art pour s’exprimer sur le sujet. Avec le Street Art, on est revenu à une relation directe, à une relation au beau qui s’était perdue avec Duchamp et l’art contemporain. C’était hypernécessaire à ce moment-là de l’histoire de l’art. Avec l’avènement su Street Art, une page se tourne et c’était nécessaire.


Où en es-tu de ton art et de tes projets ?

J’expose en ce moment au Lavomatik à Paris, jusqu’au 25 mai.  L’inauguration à eu lieu en même temps que « Métamorphes » à Lyon. J’ai également fait une fresque sur le mur du Lavomatik. En juin, je participerais à un projet qui s’appelle « Boards to be solidaire » pour le secours populaire. Je participe aussi au projet « Venus », qui lutte en faveur de la prévention du dépistage du cancer du sein. Mes projets suivants auront lieu en milieu rural, deux festivals dans des tout petits villages, en Saône-et-Loire et dans le Berry, qui m’ont demandé de venir participer et je suis ravie de le faire.


Que penses-tu de ton succès et où en es-tu de tes rêves ?

Où en suis-je de mes rêves ? Je dirais « en plein dedans » ! De manière générale, j’ai toujours essayé de faire en sorte que ma vie corresponde à ce que je rêvais d’être quand j’étais petite. Quand je me pose des questions sur la vie, je me pose toujours cette question-là – « Est-ce que ta vie ressemble à tes rêves d’enfant ? » – et je fais toujours en sorte d’y répondre par la positive. En ce qui concerne le succès, je dirais que c’est quelque chose de relatif. Je suis ravie si ce que je fais touche des gens, je suis ravie de pouvoir vivre de ce que je crée. Le succès je m’en fous un peu…


Si j’étais le génie de la lampe d’Aladin et que tu pouvais exhausser trois vœux, lesquels seraient-ils ?

J’en ai mille (rires)… Mais si je devais en choisir un, ce serait de pouvoir dessiner sur les nuages. Ce serait trop beau. Peindre sur du vent…





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« To carry my dreams as far as possible and to always be surprised »: Methyl’Mnê, Street Artist and Art researcher

By Michel Fily, May 18, 2019


Visual artist trained in a drawing academy, publisher, Street Artist, Methyl’Mnê explores the fields of resonance and transmission between several artistic disciplines, between different cultures and mythologies, between matters and beings. This atypical creator, represented by the Pandorart Gallery, has compiled an iconographic and spiritual memory since the beginning of her career. Meeting with a traveling artist, who investigates the tribes of men…


Hello Methyl’Mnê, can you introduce yourself to the readers?

My name is Adeline, I’m 33 years old, I am an artist in the broadest sense of the term. Coming from the illustration field, I am today a muralist who is friendly with performing arts. I draw since childhood and professionally for over ten years. I started my apprenticeship at the age of twelve, with a painter, Jocelyne Montagnon, in her studio. This first learning outside of the school environment saved my adolescence and I knew from the age of fifteen that art would become my job. A friend’s older brother was studying at the Émile Cohl art school in Lyon, specialized in illustration and cartoon. I chose to study there and I received a fairly academic training. I finished my studies in 2010 and I immediately started independent creation. A little before the end of my studies, I had already begun to work as a muralist with the “Cité de la Creation”, with whom I collaborated on several projects. Then, I did a lot of illustrations and graphics, posters, press drawing, theaters decoration, while continuing to make murals.


What does Methyl’Mnê mean?

My artist name is more of a signature. And it has evolved over time. Methylaine, its starting point, comes from the methylene blue, which is the color of femininity and of artistic and spiritual research. Methylene blue is frequently used as a marker to test the permeability of a structure. This usage reminded me of my relationship to management and my need for independence. So, my first signature was « Methylaine Urban Illustration ». It has evolved into the current Methyl’Mnê. This new suffix refers to Mnemosyne, the mother of the muses, who are the guardians of the arts in Greek mythology. And the arts themselves are custodians of the memory, which is a central topic, both in my personal research and in most of my current activity, a work of handover.


What are your techniques and media?

Originally, I come from publishing and therefore from the paper, but this medium became very quickly too small for me and the walls started to call me. External walls, because of their patinas and their “living” aspects, interested me a lot. I also experimented, between the paper and the walls, other media presenting the qualities of the one and the others, that is to say objects with a matter, but also a history… I used, of course, canvases, with which I try, till today, however, to keep a special relationship : I wear them myself, I make my own frames on which I tend the canvases myself and I uses a transparent Gesso, to keep the raw material visible. I also use recycled Forex, a specific choice for outdoor works made to give them relative durability. I finally use threads, fabrics and recycled metal items such as bicycle parts, fan elements, lights… Rather than a simple painting placed on a white wall, I want people to penetrate into a dynamic world when they meet my work. I borrow this from the performing arts with which I collaborated a lot. The choice of mechanical objects that I recycle comes from the « steampunk » universe which also influenced me a lot. These are mostly moving parts. Some of my creations contain objects related to the magical world of « mana ». The notion of mana, a Polynesian concept that is found under different names in other peoples, is the emanation of the spiritual power of the group, which helps to bring it together. These objects are, for example, dream catchers that I make myself, with in their centers mouths of sea urchins, or Amazonian ants caught in amber stones… It can be compared to paganism and primary cultures. These topics are very much rooted in my current research.


Regarding my techniques, I use acrylic, stencils, bombs, Posca, pencils, patchworks, photo montage… I received a very classical education, so I master more or less all artistic tools, whether it is pastel, oil, watercolors… I learned to use everything. I worked a lot in photography with the matter, especially with patterned fabrics. At one point, I broke away from all the techniques I learned to work only on composition. I still think a lot today about which technique to associate with which motive, because both must make sense together.


What are your inspirations?

As I explained previously, I am very much influenced by the « steampunk » universe, but also by retrofuturistic themes. I like to associate subjects in offset. Hugo Pratt is often thought of when observing my art. This anthropology character finds its origine in my training as a comic artist and cartoonist. I admire many artists for their graphics, such Atlas that influences my current work on the subject of labyrinths. I began to concentrate my research on the subject of the crossing of myths. I study what I call « the dream of humanity », that is to say the fact that similar iconographies have emerged at both ends of the world and from people who have never met. This phenomenon is observed in very ancient mythologies, on the primary themes that are the cult of the stars, the plants, nature and animals. To represent the moon and the sun, for example, the same traditional images are found in South America and North Africa.


One of my last works represents three weavers, the three Parques of Greek mythology, who spin the destiny of men. This triptych is part of one of my projects, related to the Brazilian musicians André Luiz de Souza and Celio Mattos, called “De terre en couleurs à l’arbre à palabres”, whose roots are at the same time European, African and Amerindian. I wanted to translate this phenomenon visually. My first weaver is from the French area of Bresse, to pay tribute to Bourg-en-Bresse for which this project was created. But the colors she wears are very intense and closer to the South American traditional colors. On her chest are Native American motifs that contrast with the European traditional spinning wheel she uses. I represented the second weaver as a witch, whose universe is between Mongolia and Peru with the Nazca lines that I used to represent her body. I painted it with very raw lines, in contrast with some details that I worked very finely. Then I put a cage on her belly, with dangling filaments, feathers, cogs and a pressure gauge, elements clearly inspired by the « steampunk » universe. There are also dream traps I made with recycled items. A mixture between the Old and the New. The third spinner is a little Berber granny, a representation of the Eastern wisdom …


I recently exhibited these three spinners at the Sofffa, a hybrid bar-gallery in Lyon. Their blue patio hosted a series of framed serigraphs from one of the books I edited, very square and sharp pieces. I installed in the middle space blue and red pieces, a color code inherent to my art and which represents the outside and the inside, the world and the soul. Finally, the main room was illustrated by the collages that I make in the streets. I always work my exhibitions according to the places trying to distinguish and qualify the different rooms. I would add that among the artists who inspired my work, Frida Kahlo has an important place, both as an artist and as a personality.


Do you consider yourself a feminist artist?

My characters are female, for the most part, that’s part of my identity. I do not know if I would call myself a feminist artist. That word is heard and understood in different ways right now. But I think that the feminine has an important role to play today. Parallel to my work as an artist, a big part of my activity is in broadcasting and transmission. It is embodied in cultural and social projects that I organize and through which I try to understand how bridges can be built, between people and between structures. These are not feminist projects, but simply human projects, to which I think that the feminine can bring a lot, in the field of doing together, of cohesion and coordination of skills. It is a central research topic in all my fields of activity today.


You have just joined « L’Atelier au 46 » in Lyon…

Yes, I finally found the place that suits me. At the end of my studies, I settled in a workshop called Mezz, in Pierre-Bénite. It was a group of craftsmen, visual artists, graphic artists, live performance artists… This experience enriched my practice in terms of learning, because I went through classical studies and I had no experience in developing an activity. I stayed seven years in Mezz before integrating, a year ago, this new place, with the objective of really developing my personal practice. This new painting space allows me to work on a larger scale. It is also an important artistic meeting place, because I have come closer to people who share similar issues to mine, humanly, artistically and socially. It generates a remarkable emulsion, which results in shared exhibitions that we present in the entrance of our gallery. In the current one, we tried to see how we could position intelligently drawings next to metal and plaster sculptures; how, using the natural light, we could superimpose sculptures and painted works, all with a narrative developed in common. My meeting with this place is a happy coincidence of life.


What is your definition of urban art?

Urban art is the one that takes place in my street, outside and free to look at. I started this practice because of my artist’s relationship to the material, the roughness of the walls that interested me technically as a medium. I did my first collages driven by personal desire, without really thinking of them as a communication bias with the public. This is no longer the case today. My current urban projects are common projects, participative projects, made by the common and for the common. They take place in sites that make sense to people, who will mark a common history and leave a trace. Here is the meaning of my identity as an artist. Urban art is an art of memory and I believe that the purpose of all Street Artists is to leave their traces in the urban space. I share this idea and I support it by adding my own trace. The characters of my triptych will be part of a large participatory fresco in Bourg-en-Bresse, a project conducted for almost two years between amateur and professional artists. The idea is that of an « amalgam », in the culinary sense of the word. Children participated as much as old people and we played the conductors so that their joint creation would become appreciable and coherent.


What do you think of the evolution of Street Art and its place in the art world today?

I find this evolution very positive, because it opens up many possibilities. This form of art is becoming more and more accepted, the tagged walls are no longer systematically erased and it is a very good thing. This growing tolerance for expression also opened the door to people who may never have dared to make art, because they have not studied it or because they were afraid to start a financially unstable career. The democratization of Street Art represents the possibility of a new field of expression. As far as the evolution towards the art market is concerned, it is an inevitable path, except for those who wish to remain marginalized against all odds. This is a consequence of the fashion effect that this discipline enjoyed in recent years and which has inevitably generated profit ambitions. But the artists themselves share, for the most part, the desire that what they create would be seen, that their ideas would spread and finally that their work would allow them to make a living. Personally, I do not take the monetary aspect as a priority. What is important for me is to be seen, heard and shared, which is why I avoid shackles. The bottom line is to be right in what I do. It’s my leitmotif, the « course » I try to always stay…


This idea of sharing seems very important for you…

Sharing and accessibility. Some people do not care to go to museums, not only for financial reasons, but sometimes just because of the museum environment. Museums are often « far away » from artists’ studios, and a painting on a white wall does not tell us the whole story. Here at the workshop, we organize intimate events, to allow more qualitative visits and exchanges. I think it is important to have a clear intention behind the organization of an exhibition, be it mercantile or otherwise, and that this line of conduct must be maintained. As far as I am concerned, it is a kind of a personal astrolabe, aligned with the stars: if I deviate from my intention, I know that I am lost…


What are your future projects?

The big fresco in Bourg-en-Bresse that I mentioned and another one in Jassans. The two inaugurations will take place in June and July. These two parallel projects are related to live performance arts and they required between one and two years of preparation. They involved a large number of people of all ages, and both are about the myths of the Amazon. They were created in parallel with twelve musical stories that will result in the publication of a CD. And they will also give rise to the publication of a travel diary, because these Amazonian mythologies are the starting point of a trip that I will make next November to South America. A journey of four months in Peru, Mexico and perhaps Cuba, with the objective of artistic residencies to support my research and further investigate these myths that I have been inspired by for several years. The travel diary that I will write will be constructed as a resource and iconography book about the crossing of all these ethnic legends. I will meet, in Mexico, sculptors of Alebrijes (see article « Cities of gold… »). I will join, in Peru, the artist Sponer, who has been working for a year with Amerindian communities about the survival of their cultures and their know-how…


In the field of publishing, I collaborate with a political magazine, the « Foutou’art », which deals with people struggles and at this moment I illustrate for them texts about Native North American Indians fighting for their rights. There is much to learn from its communities, in terms of pacifist resistance, festive resistance, built and based on culture and on the etiquette of this culture.


If I was the genie of Aladdin’s lamp and you could raise three vows, which would they be?

If I had to paint a place, I would choose a traveling workshop boat. A sailboat. Calls to residences of this type attract me, especially when they are about accompanying scientific teams to work with them on research topics. I also dream to sail one day on the Hermione. I called the associative structure that I created to carry my projects « O pavilions », it’s not a hazard. My second wish is to always have the means to continue to create, that is to say to have the means to carry my dreams very far and to have no limits to creation. Finally, my last wish would be to always remain surprised in my life…






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« Ce n’est pas le message qui m’intéresse, c’est le langage » : les peintures-sculptures de Don Mateo

Par Michel Fily, 17 mai 2019


Street Artiste érudit et diligent, Don Mateo impressionne autant par l’incisivité de ses portraits découpés que par la profondeur de ses réflexions. Après avoir longtemps peint ses célèbres visages de femmes sur les murs, il crée aujourd’hui des négatifs de pochoirs qu’il sculpte et met en abime ou en lumière. Urban Street Art Urbain l’a rencontré à l’occasion de son exposition « Portrhands » à l’Epicerie Moderne, inaugurée en partenariat avec le festival Peinture Fraiche. Portrait d’un acteur-penseur de l’art urbain.  


Bonjour Don Mateo, peux-tu te présenter aux lecteurs ?

Je suis originaire du Jura. J’ai fait mes études aux Beaux Arts, jusqu’en 2003. Après ma formation académique, je suis parti vivre à l’étranger, en Espagne, en Suède, à Copenhague, au Danemark. Je ne suis venu à Lyon pour y créer qu’en 2010. J’ai commencé par peindre sur toiles et accumuler les tableaux. J’avais des peintures partout dans ma maison. Mais je me suis rendu compte que l’échange avec le public me manquait. C’est pour cette raison que j’ai commencé à peindre au-dehors. Au début, je collais de petites choses, des portraits à droite à gauche. Puis un peu plus, un peu plus haut, un peu plus grand… La pratique urbaine a été une véritable découverte au début des années 2010, un boulevard à explorer…


J’ai, dès le départ, orienté ma recherche autour de la représentation de la figure associée à l’espace urbain, à la fois sur toiles et sur murs, de manière cyclique. L’un nourrissant l’autre. Ce que j’aime c’est peindre ; sur toile, sur bois, sur mur, je suis très libre avec cette envie. Il y a eu des périodes où je ne voulais faire que de la rue. Puis d’autres où je voulais travailler sur supports. Je ne me contrains pas. Mon atelier est situé sur les pentes de la Croix-Rousse. Je l’ai intégré il y a cinq ans.


Quel a été le principal déclencheur de ton envie de créer dans la rue ?

Elle répondait essentiellement à mon besoin de liberté et au désir d’être totalement indépendant. Cela peut sembler contradictoire avec le caractère illégal du Street Art, mais la rue m’a bel et bien offert une forme de liberté, dans la mesure où avec elle je n’étais plus obligé de passer par une galerie ni par une salle d’exposition – avec toutes les contraintes que cela implique – pour mener à bien mes projets. J’ai pu ainsi partager mon travail de manière immédiate et directe avec le public, sans intermédiaires ni sans rien devoir à personne. Avant le Street Art, lorsqu’un artiste avait une idée, il fallait la présenter aux galeristes, aux lieux d’exposition, et il fallait les séduire, vendre son projet. C’est quelque chose que je ne sais pas faire et que je n’aime pas faire. Je me suis affranchi de cela grâce à la rue. Une des principales composantes du Street Art, selon moi, c’est avant tout la liberté. Ensuite, c’est un espace de création infini. Je joue avec les murs, avec leurs grains, avec les couleurs des revêtements… Enfin, il y a un aspect ludique, dans cette forme d’art, lié selon moi à l’enfance. Nous avons tous tapissé nos chambres de dessins, de posters, lorsque nous étions plus jeunes. Le Street Art, c’est la même chose à plus grande échelle. Tu commences par ton quartier, puis, progressivement, ta ville devient ton espace de jeu… J’ai aussi peint à Paris, en Amérique latine, en Jordanie…


Comment ta technique a-t-elle évolué ?

J’ai toujours travaillé le portrait, mais je suis passé du pochoir au papier découpé puis peint. C’est une sorte de pochoir à l’envers. Et en relief. Cette évolution est advenue parce que j’étais arrivé au bout de ma technique et qu’il me manquait quelque chose. Il me manquait du geste et de l’âme. Le pochoir gomme l’imperfection et empêche l’accident. Il permet, certes, de pouvoir peindre rapidement quelque chose d’efficace, mais pour moi qui viens du dessin, il lui manque l’aspect « instinctif ». Mon premier portrait en papier découpé date d’il y a quatre ou cinq ans. Le postulat est celui de « contredire » le pochoir. D’y faire ressurgir le mouvement, le dessin, l’accident, de conserver aussi ce que l’on jette habituellement. Et puis, jouer avec la lumière, avec les pleins et avec les vides. Je distancie légèrement les découpes de leurs supports, pour créer un effet d’ombre et de profondeur. L’acte de création interagit avec le découpage. C’est un peu comme un deuxième dessin, au scalpel. Et puis ce sont des pièces uniques, contrairement aux oeuvres faites au pochoir.


Tu peins principalement des femmes…

Ce qui centralise mon travail, c’est le portrait, la figure. Principalement la figure féminine. Chaque pièce est différente et chacune possède une émotion qui lui est propre. C’est un langage, une recherche perpétuelle. On pourrait croire à un aspect systématique, mais ce n’est pas du tout le cas. Je travaille les émotions, les regards. En ce moment j’utilise des mains pour travailler le mouvement et la ligne. Le portrait, c’est un prétexte, en fait. Ce qui m’intéresse c’est la courbe, la couleur… Je trouve dans le motif féminin beaucoup plus d’informations intéressantes que dans le motif masculin. Mais cela reste un motif. Cézanne disait qu’il peignait un modèle comme il peignait une pomme. Pour moi, c’est un peu la même chose. Je trouve plus d’informations dans les motifs féminins, entre autres, parce qu’elles ont des cheveux, et que le cheveu me permet de travailler la ligne.


Tes œuvres portent du blanc, du noir, du rouge. Un petit nombre de couleurs, mais très contrastées…

C’est pour aller a l’encontre de ce que l’on trouve ailleurs. Le graffiti est souvent saturé en couleurs. J’avais l’envie de faire l’inverse, d’épurer et de laisser respirer l’œuvre. Le vide est très important dans mon travail. Mais ce n’est pas du vide, c’est une respiration, pour que l’œil circule… Je peins principalement avec des couleurs primaires, qui sont souvent là pour apporter de l’âme aux personnages. Ces couleurs posées sur la toile ou sur le mur me permettent de « contredire » un peu le papier découpé, de créer du relief. La ligne est posée de manière hyper instinctive, pour qu’elle devienne une sorte d’ADN de mon personnage. Comme une empreinte, comme l’âme, qui sont uniques…


Quel message souhaites-tu transmettre aux personnes qui découvrent tes œuvres ?

Ce n’est pas le message qui m’intéresse. Je ne dis pas que je ne veux rien transmettre au public. Mais je ne veux pas le contrôler. Après de nombreuses recherches, j’ai réalisé que ce qui m’intéresse, ce n’est pas le message, mais le langage. C’est fondamentalement différent. J’ai compris il y a peu que c’est une erreur de se focaliser sur le message. Les messages, il n’y en a pas cent cinquante milles. L’art, ça parle d’amour, de la vie, de la mort, de religion, de sexe… Prenons l’histoire de l’art : ce que l’on retient principalement aujourd’hui d’un peintre comme Picasso, ce ne sont pas ses messages, c’est son langage. Quel est le message des « Demoiselles d’Avignon » ? La prostitution ? Non, il n’y a pas de message. Ce qui est important dans ce tableau, c’est le cubisme !


Et s’il y a message, il doit servir le langage ?

Absolument. Sinon c’est de l’illustration. L’œuvre n’est là que pour illustrer un propos. Faire de l’art, c’est créer quelque chose qui nous échappe. Léo Ferré disait : « moi quand j’écris je ne sais pas d’où ça me vient. Ça me tombe dessus, ce n’est pas moi qui écrit, c’est ma main ». Je ressens la même chose lorsque je crée. Lorsque je découpe et à toutes les étapes de ma création. Si j’ai une idée trop précise de ce que je veux faire, le résultat est généralement mauvais. Mais lorsque je laisse aller mon esprit, lorsque je « laisse faire », sans me poser de questions, il se passe toujours des choses très intéressantes et qui me surprennent.


Tu as commencé à faire des monochromes…

Ce sont des pièces récentes, pas tout à fait monochromes, plutôt noires sur gris anthracite. L’objectif était celui de questionner la lumière, en me se rapprochant des problématiques de Soulages… De « déranger » le regard et que le spectateur fasse l’effort de retrouver la ligne, de la recomposer, d’aller chercher les formes, qui sont d’ailleurs proches de l’abstrait pour ces oeuvres nouvelles. Il y a des regards qui y sont cachés. Il faut prendre le temps de les observer… Ce sont les prémisses d’une nouvelle étape, dans laquelle j’ai envie d’emmener ce portrait, depuis quelque chose d’hyperfiguratif vers quelque chose de plus proche de l’abstrait. Cela déçoit malheureusement une certaine partie du public, celle qui aime être rassurée, voir ce qu’elle peut reconnaitre. Dans l’art urbain, lorsqu’une oeuvre plait, tout le monde veut voir sa copie partout. Je trouve ça dingue que les gens soient surpris quand un artiste évolue…


Quelles sont tes inspirations ?

Il y en a plusieurs. Je n’ai pas de référence particulière en termes d’artistes urbains. Je citerais plutôt des artistes classiques, ceux qui guident depuis toujours mon travail. Ceux qui me réconfortent quand je suis dans le doute. Parmi ceux-là, il y a Georges Brassens, que ce soit ses textes ou ses pensées… Il fait partie de mes piliers. Chez les plasticiens, il y a, bien sûr, les peintures d’Alberto Giacometti, où se retrouve cette notion de mouvement et de ligne. Gérard Fromanger, moins connu, est un artiste français issu de la figuration narrative, dans les années soixante, et qui a aujourd’hui beaucoup évolué. Il travaille la photosynthèse, des photos qu’il projette et sur lesquelles il peint. Il utilise la photo comme base pour en tirer l’essence. Aujourd’hui il travaille la ligne… Il y a des artistes dont je suis « fan », comme Mark Rothko et ses abstractions, qui sont des travaux sur l’accident, sur la vibration de la couleur, non contrôlée et non maitrisée. Il y a Pierre Soulages, évidemment. Il y a Robert Rauschenberg, dans les années 1960, qui transformait ses peintures en sculptures, comme sa pièce la plus connue, où un aigle empaille est posé sur la peinture. Ma peinture elle aussi est a mis chemin entre la peinture et la sculpture, d’une certaine manière. Elle n’est ni peinture, ni sculpture, elle est les deux à la fois, elle n’est aucune des deux. Le maitre Giacometti, a donné une grande interview cinq ou six ans  avant de mourir, dans son atelier, lors de laquelle il a expliqué, avec son accent italien : « je sculpte, ces hommes en marche, ces personnages, et je me dis : un jour je vais trouver… Pour l’instant je cherche ». Il a dit ces mots alors que  sa carrière était depuis longtemps établie. Alors qu’il était à la fin de sa vie, il doutait encore. Cette phrase est un garde-fou important à mes moments d’incertitude. Si ce génie a cherché toute sa vie comme je cherche, alors je suis plutôt en bonne compagnie…


Que penses-tu de l’évolution du Street Art ?

C’est la suite de l’art contemporain. Je veux dire que c’est un mouvement à part entière. Et ce qui est formidable, c’est que c’est le premier mouvement de toute l’histoire de l’art qui soit apparu simultanément dans le monde entier. Les naissances des grands mouvements artistiques ont toujours été liées à des situations économiques dans certains pays ou sur certains continents. Le surréalisme à Paris et en Europe, le Pop Art aux états unis… On ne peut pas dire cela pour le Street Art, parce qu’on a trouvé, dès le début du mouvement, des Street Artistes au fin fond de l’Australie, dans le Jura, en Irlande, au Liban… Quant à ses origines, peut-on réellement comparer les murs de Diego Rivera et les premiers tags de Jean-Michel Basquiat ou de Taki 183 ? Le mouvement est peut-être né à New York avec les gangs, mais on peut aussi remonter jusqu’aux grottes de Lascaux.


Où en es-tu de ton art et de tes projets ?

Je suis parti très récemment en Jordanie en résidence, pour un festival d’une dizaine de jours, le « Baladk Project » à Amman. Nous étions six artistes internationaux, une Suédoise, des Colombiens, des Allemands, principalement des Européens. À mon retour, j’ai fait un mur à Peinture Fraiche et j’ai aussi animé un Workshop à l’Epicerie moderne, en partenariat avec le festival. Je vais prochainement réaliser la nouvelle Marianne de la ville de Chenôve, près de Dijon. Il s’agit d’une façade qui va devenir le symbole de la ville. C’est une Marianne moderne et métissée qu’une foule peinte vient construire. On ne sait pas si son bonnet est un bonnet phrygien ou un simple bonnet en laine… Ce projet devrait s’achever pour les journées du Patrimoine, en septembre 2019.

59840335_2457609854273688_5788403626128965632_n.jpgSi j’étais le génie de la lampe d’Aladin et que tu pouvais exhausser trois vœux, lesquels seraient-ils ?

Je n’ai pas la folie des grandeurs. Je voudrais simplement continuer à garder la passion… Mon rêve a toujours été celui de faire ce que j’aime, peintre, et de le faire du matin au soir. Mon souhait est que cela continue. Je voudrais peindre partout dans le monde. J’aimerais peut-être publier un livre, j’écris beaucoup en ce moment, j’ai plein de carnets, c’est un moyen d’expression qui me plait, mais qui reste pour l’instant intime. Ça me plairait d’illustrer mes réflexions d’artiste avec des images de mes peintures. On n’a pas souvent l’occasion de parler d’art, en tant qu’artiste urbain. C’est assez rare…


Y a-t-il une question que je ne t’ai pas posée et à laquelle tu aimerais répondre ?

Ce qui me parait primordial, c’est ce questionnement du langage et du message. Pendant des années, j’ai perdu de l’énergie du temps à essayer de trouver des messages et j’ai mis du temps à réaliser que je faisais fausse route. Il ne faut pas penser au message, il faut penser au langage et le message doit venir servir ce langage. C’est ma vérité, ce n’est peut-être que la mienne, mais c’est elle qui nourrit désormais mon art.






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« Porter ses rêves très loin et être toujours en surprise» : Méthyl’Mnê, chercheuse d’art

Par Michel Fily, 13 mai 2019


Dessinatrice de formation, artiste plasticienne, éditrice, Street Artiste, Méthyl’Mnê explore les champs de résonances et de transmission entre plusieurs disciplines artistiques, entre différentes cultures et mythologies, entre les matières et entre les êtres. Cette créatrice atypique, représentée par la galerie Pandorart, compile depuis le début de son parcours une mémoire croisée iconographique et spirituelle. Rencontre avec une artiste voyageuse, à la rencontre des tribus de l’Homme… 


Bonjour Méthyl’Mnê, peux-tu te présenter aux lecteurs ?

Je m’appelle Adeline, j’ai 33 ans, je suis artiste au sens large du terme, issue de l’illustration, aujourd’hui muraliste qui copine avec le spectacle vivant. Je dessine depuis l’enfance et de façon professionnelle depuis plus de dix ans. J’ai commencé mon apprentissage à l’âge de douze ans chez une artiste peintre, Jocelyne Montagnon, dans son atelier. Ce premier apprentissage en dehors du cadre scolaire à sauvé mon adolescence et j’ai su dès l’age de quinze ans que je ferais de l’art mon métier. Le grand frère d’une amie étudiait à l’école Émile Cohl de Lyon, une école spécialisée dans l’illustration et le dessin animé. J’ai choisi d’y faire mes études et y ai reçu une formation assez académique. J’ai terminé mes études en 2010 et je me suis tout de suite lancée dans la création indépendante. Un peu avant la fin de mes études, j’avais déjà commencé à travailler avec la cité de la création en tant que muraliste, avec laquelle j’ai collaboré dès le début sur plusieurs  projets. Puis, j’ai fait pas mal d’illustration et de graphisme, de l’affiche, du dessin presse, du décor… Tout en continuant de faire des fresques murales.


Que veut dire Méthyl’Mnê ?

Mon nom d’artiste est plus une signature qu’un blaze. Et c’est une signature qui a évolué avec le temps. Méthylaine, son point de départ, vient du bleu de méthylène qui est pour moi la couleur du féminin et de la recherche, artistique et spirituelle. Ce bleu est fréquemment utilisé comme marqueur, pour tester la perméabilité d’une structure. Cet usage me renvoyait à mon rapport aux cadres et à mon besoin d’indépendance. Ainsi, ma première signature a été « Méthylaine illustration urbaine ». Elle a évolué pour devenir l’actuelle Méthyl’Mnê. Ce nouveau suffixe fait référence à Mnémosyne, la mère des muses gardiennes des arts, dans la mythologie grecque. Les arts sont eux-mêmes gardiens de la mémoire à mes yeux et la mémoire est un sujet central, tant dans mes recherches personnelles que dans la majeure partie de mon activité actuelle, qui est un travail de passation.


Quels sont tes techniques et tes supports ?

À l’origine, je viens de l’édition et donc du papier, mais ce support est devenu très rapidement trop petit pour moi et les murs se sont imposés. Des murs plutôt extérieurs, parce que leurs « vécus », leurs patines, m’intéressent beaucoup. J’ai aussi expérimenté, entre le papier et les murs, d’autres supports présentant les attraits de l’un et des autres, c’est-à-dire celui d’objets avec une matière, mais aussi une histoire… J’utilise, bien sûr, le support neuf de la toile, avec lequel j’essaie toutefois de garder un rapport particulier : j’enduis mes toiles moi-même, je fabrique mes propres châssis sur lesquels je tends les toiles moi-même et j’utilise un Gesso transparent, pour garder la matière de la toile brute visible. J’utilise aussi du Forex de récupération, un choix spécifique pour les œuvres en extérieur essayer de leur donner une pérennité relative. J’utilise enfin du fil, des tissus, des objets de récupération en métal comme des pignons de vélos, des grilles de ventilateurs, des rouages, des lumières… Plutôt qu’une œuvre posée sur un mur blanc, je veux que les gens pénètrent dans un univers dynamique lorsqu’ils rencontrent mon travail. J’emprunte cela au spectacle vivant, avec lequel j’ai beaucoup collaboré. Le choix des objets mécaniques que je recycle vient de l’univers « steampunk » qui m’a aussi beaucoup influencée. Ce sont pour la plupart des objets du mouvement. On trouve dans certaines de mes créations des objets liés à l’univers magique de « mana ». La notion de mana, concept polynésien que l’on retrouve sous différentes appellations dans d’autres peuples, est l’émanation de la puissance spirituelle du groupe, qui contribue à le rassembler. Ces objets sont par exemple des attrapes-rêves que je fabrique moi-même, avec en leurs centres des bouches d’oursins, ce sont des fourmis amazoniennes prises dans l’ambre… On peut rapprocher cela du paganisme et des cultures primaires. Ces sujets sont très ancrés dans ma recherche actuelle.


En ce qui concerne mes techniques, j’utilise de l’acrylique, de la bombe au pochoir, du feutre, du Posca, du crayon, du tissage, de l’assemblage, du collage, du photomontage… J’ai reçu un apprentissage très classique, donc je maîtrise plus ou moins toutes les techniques artistiques, que ce soit le pastel, l’huile, l’aquarelle… J’ai appris à tout utiliser. J’ai beaucoup travaillé avec la matière en photographie, en particulier avec des tissus à motifs. À un moment donné, je me suis détachée de toutes les techniques apprises pour ne travailler que sur la composition. Je réfléchis toujours beaucoup aujourd’hui à quelle technique associer à quel motif, parce que les deux doivent faire sens.


Quelles sont tes inspirations ?

Comme je l’ai expliqué précédemment, je suis très inspirée par l’univers « steampunk », mais aussi par les thématiques rétrofuturistes. J’aime associer des sujets en décalage. On pense souvent à Hugo Pratt en observant mes œuvres. Ce caractère anthropologie prend sa source dans ma formation de bédéiste et de dessinatrice. J’admire de nombreux artistes pour leur graphisme, tel Atlas qui influence mon travail actuel sur le sujet des labyrinthes. J’ai commencé à orienter mes recherches sur le croisement des mythes. J’étudie ce que j’appelle « le rêve de l’humanité », c’est-à-dire le fait que des iconographies similaires ont émergé aux extrémités du monde, issues de peuples qui ne se sont jamais rencontrés. On observe ce phénomène au sein de mythologies très anciennes, sur les thématiques primaires que sont le culte des astres, du végétal, de la nature et des animaux. Pour représenter la lune et le soleil, par exemple, les mêmes motifs traditionnels se retrouvent Amérique du Sud et au nord de l’Afrique.


L’une de mes dernières œuvres représente trois tisseuses, les trois Parques de la mythologie grecque, qui filent le destin des hommes. Ce triptyque fait partie de l’un de mes projets en lien avec les musiciens brésiliens André Luiz de Souza et Celio Mattos,  « De terre en couleurs à l’arbre à palabres », dont les racines sont à la fois européennes, africaines et amérindiennes. J’ai souhaité traduire visuellement ce phénomène. Ma première tisseuse est bressane, pour rendre hommage à Bourg-en-Bresse, pour laquelle ce projet a été créé. Mais les couleurs qu’elle arbore sont très intenses et se rapprochent plutôt des couleurs sud-américaines. Sur sa poitrine on retrouve des motifs amérindiens qui contrastent avec le rouet traditionnel européen qu’elle utilise. J’ai représenté la seconde tisseuse comme une sorte de sorcière, dont l’univers se situe entre la Mongolie et le Pérou avec les lignes de Nazca que j’ai utilisées pour représenter son corps. Je l’ai peinte avec des lignes très brutes, en contraste avec certains détails que j’ai travaillés très finement. Ensuite, j’ai posé une cage sur son ventre, avec des filaments qui pendent, des plumes, des rouages et un manomètre, des éléments clairement inspirés de l’univers « steampunk ». Il y a aussi des pièges à rêves que j’ai fabriqués avec des objets de récupération. Un mélange entre l’Ancien et le Nouveau. La troisième fileuse est une petite mamie berbère, représentation de la sagesse orientale…


J’ai exposé récemment ces trois fileuses au Sofffa, une galerie-bar hybride à Lyon. Leur patio bleu a accueilli une série de sérigraphies encadrées tirée de l’un des ouvrages que j’ai édités, des pièces très carrées, très nettes. J’ai installé dans l’espace intermédiaire des pièces bleues et rouges, un code couleur inhérent à mon art et qui représente le dehors et le dedans, le monde et l’âme. Enfin, la salle principale du lieu a été illustrée par les collages que je fais dans la rue. Je travaille toujours mes expositions en fonction du lieu en essayant de distinguer et de qualifier les différents espaces. J’ajouterais enfin que, parmi les artistes qui inspirent mon œuvre, Frida Kahlo à une place importante, autant en tant qu’artiste qu’en tant que personnalité.


Te considères-tu comme une artiste féministe ?

Mes personnages sont féminins, pour la plupart, cela fait partie de mon identité. Je ne sais pas si je me qualifierais d’artiste féministe. Ce mot-là est entendu et compris de façons différentes, en ce moment. Mais je pense que le féminin a un rôle important à jouer aujourd’hui. Parallèlement à mon travail d’artiste, une grosse partie de mon activité consiste dans la diffusion et la transmission. Elle s’incarne dans des projets culturels et sociétaux que j’organise et au travers desquels je tente de comprendre comment les passerelles peuvent se construire, entre les êtres et entre les structures. Il ne s’agit pas de projets féministes, mais simplement de projets à caractère humain, auxquels je pense que le féminin peux apporter beaucoup, dans le domaine du faire ensemble, de la cohésion et de la coordination de compétences. C’est un sujet central de recherche dans tous mes domaines d’activité aujourd’hui.


Tu viens d’intégrer « l’Atelier au 46 » à Lyon…

Oui, j’ai enfin trouvé l’endroit qui me correspond. À la fin de mes études, je m’étais installée dans un atelier qui s’appelait la Mezz, à Pierre-Bénite. C’était un regroupement d’artisans, de plasticiens, de graphistes, d’artistes du spectacle vivant… Cette expérience a beaucoup étayé ma pratique en termes d’apprentissage, parce que je sortais d’études classiques et n’avais aucune expérience dans le fait de développer une activité. Je suis restée sept ans dans cet atelier avant d’intégrer, il y a un an, ce nouveau lieu, avec l’objectif de développer vraiment ma pratique personnelle. Ce nouvel espace de peinture me permet de travailler à plus grande échelle. Il représente aussi une importante rencontre artistique, parce que je me suis rapprochée de personnes qui partagent des enjeux similaires au mien, humainement, artistiquement et sociétalement. Il génère une émulsion remarquable, qui se traduit par les expositions partagées que nous présentons dans l’entrée de notre galerie. Pour l’exposition actuelle, nous avons essayé par exemple de voir comment on pouvait positionner intelligemment dans l’espace du dessin à côté de pièces en métal et de sculptures en plâtre ; comment, par l’intermédiaire de la lumière, nous pourrions faire se superposer sculptures et des œuvres peintes, tout cela avec une narration élaborée en commun. Ma rencontre avec ce lieu a été un heureux hasard de la vie.


Quelle est ta définition de l’art urbain ?

L’art urbain, c’est celui qui se trouve dans ma rue, mis à l’extérieur et libre au regard. J’ai débuté cette pratique à cause de mon rapport d’artiste à la matière, à l’aspérité des murs qui m’intéressaient techniquement comme supports. J’ai réalisé mes premiers collages par envie personnelle, sans réellement les penser comme un biais de communication avec le public. Ce n’est plus le cas aujourd’hui. Mes projets urbains actuels sont des projets du commun, des projets participatifs, faits par le commun et pour le commun. Ils prennent place dans des lieux qui ont du sens pour les gens, qui vont marquer une histoire commune et laisser une trace. Ici se retrouve tout le sens de mon identité d’artiste. L’art urbain est un art de mémoire et je crois que le propos de tous les Street Artistes est celui de laisser leurs traces dans l’urbain. Je partage cette idée et je l’étaye en ajoutant à ma propre trace celle d’autrui. Les personnages de mon triptyque vont s’intégrer au sein d’une grande fresque participative à Bourg-en-Bresse, d’une rencontre, conduite depuis près de deux ans entre des pratiques amateures et professionnelles. L’idée est celle d’un « amalgame », au sens culinaire du mot. Des enfants y ont autant participé que des personnes âgées et nous avons joué les chefs d’orchestre pour que leur création commune soit appréciable et cohérente.


Que penses-tu de l’évolution du Street Art et de la place qu’il prend dans le monde de l’art ?

Je trouve cette évolution très positive, parce qu’elle ouvre de nombreuses possibilités. Cette forme d’art est de mieux en mieux acceptée, les murs tagués ne sont plus systématiquement effacés et c’est une très bonne chose. Cette tolérance à l’expression qui se développe ouvre aussi la porte à des personnes qui n’auraient peut-être jamais osé faire de l’art, parce qu’ils n’ont pas fait d’études ou ont eu peur de se lancer dans une carrière financièrement aléatoire. La démocratisation du Street Art représente la possibilité d’un nouveau champ d’expression. Pour ce qui concerne l’évolution vers le marché de l’art, c’est une chose inévitable, sauf pour ceux qui souhaitent demeurer marginaux envers et contre tout. C’est une conséquence de l’effet de mode dont cette discipline bénéficie depuis quelques années et qui a engendré immanquablement des ambitions de profit. Mais les artistes eux-mêmes ont, pour la plupart, le désir que ce qu’ils créent soit vu, que leurs idées soient diffusées et enfin que leur travail leur permette de vivre. Personnellement, je ne fais pas de l’aspect monétaire une priorité. Ce qui est important pour moi est d’être vue, entendue et partagée, c’est la raison pour laquelle j’évite les carcans. L’essentiel est d’arriver à être juste dans ce que je fais. C’est mon leitmotiv, le « cap » que j’essaie de toujours garder…


Cette idée de partage semble très importante pour toi…

De partage et d’accessibilité, surtout. Certaines personnes n’ont pas envie d’aller dans les musées, pas seulement pour des raisons financières, mais parfois aussi à cause du cadre muséal. Les musées sont souvent « éloignés » des ateliers des artistes et une toile posée sur un mur blanc ça ne dit pas tout. Ici, à l’atelier, nous organisons des événements plutôt intimistes, afin de permettre des visites et des échanges plus qualitatifs. Je pense qu’il est important de poser une intention claire derrière l’organisation d’une exposition, qu’elle soit mercantile ou autre, et qu’il faut maintenir cette ligne de conduite. Pour ce qui me concerne, c’est une espèce d’astrolabe personnel, aligné sur les étoiles : si je dévie de mon intention, je sais que je me suis perdue…


Quels sont tes projets à venir ?

La grande fresque à Bourg-en-Bresse que j’ai évoquée et une autre à Jassans. Les deux inaugurations auront lieu aux mois de juin et juillet. Ces deux projets parallèles sont en lien avec le spectacle vivant, ont demandé entre un et deux ans de préparation, ont impliqué un grand nombre de personnes, tous âges confondus, et sont liés à la thématique des mythes de l’Amazonie. Ils ont été créés en parallèle avec douze contes musicaux qui donneront lieu à la publication d’un CD. Et ils donneront aussi lieu à la publication d’un carnet de voyage, car ces mythologies amazoniennes sont le point de départ d’un voyage que je vais effectuer en novembre prochain en Amérique du Sud. Un périple de quatre mois au Pérou, au Mexique et peut-être aussi à Cuba, avec un objectif de résidences artistiques pour étayer mes recherches sur place et investiguer plus avant ces mythes dont je m’inspire depuis plusieurs années dans mon travail. Le carnet de voyage que je vais rédiger sera construit comme un cahier de ressources et d’iconographie du croisement de toutes ces légendes ethniques. Je vais rencontrer, au Mexique, des sculpteurs d’Alebrijes (voir article « Cités d’or… »). Je vais rejoindre, au Pérou, l’artiste Sponer, qui travaille depuis un an auprès de communautés amérindiennes pour œuvrer à la survie de leurs cultures, de leur savoir-faire et de leur savoir-être…


Dans le domaine de l’édition, je collabore avec un fanzine engagé, « le Foutou’art », qui traite des luttes de manière générale et en ce moment j’illustre pour eux des textes à propos des combats pour leurs droits des autochtones d’Amérique du Nord. Il y a beaucoup à apprendre de ses communautés, en termes de résistance pacifiste, de résistance festive, construite et basée sur la culture et sur le faire-valoir cette culture.


Si j’étais le génie de la lampe d’Aladin et que tu pouvais exhausser trois vœux, lesquels seraient-ils ?

Si je devais peindre un lieu, je choisirais un bateau-atelier itinérant. Un voilier. Les appels à résidences sur ce type de bateau me font particulièrement rêver, en particulier lorsqu’il s’agit d’accompagner des équipes scientifiques pour travailler avec elles sur des sujets de recherche. Je rêve aussi de partir un jour sur l’Hermione. J’ai d’ailleurs appelé la structure associative que j’ai créée pour porter mes projets « O pavillons ». Mon second vœu serait celui d’avoir toujours les moyens de continuer à créer, c’est-à-dire avoir les moyens de porter ses rêves très loin et de ne pas avoir de limites à la création. Enfin, mon dernier souhait serait celui d’être toujours étonnée et d’être toujours « en surprise »…






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« I don’t care if they say I’m a good painter, I want people to say I’m a beautiful person »: IMPACKT, the “Dude” of graffiti

By Michel Fily, May 12, 2019


Being a Street Artist for more than 25 years, Impackt is one of the « Dads » of Street Art in France. Child of pure graffiti, this extraordinary self-taught artist has developed a technique that allows him to address all topics, from lettering to characters, through historical frescoes and optical illusions. This pure street artist, who has always defended urban art in its original essence, was at the Peinture Fraiche festival in Lyon, represented by the Pandor’art gallery. Urban Street Urban Art met him there.


Hello Impackt, can you introduce yourself to the readers?

My name is Franck, I’m 49 years old, it’s been 25, 26 years that I do graffiti. I am from Saint-Priest, in the suburbs of Lyon, a « nice neighborhood » (laughs). I started Peinture shortly after my return from the Gulf War, in 1994. I was a commando marine rifleman, sent to Kuwait during the first session of combats against Saddam Hussein… Before the army, as a teenager, I was already a good graffiti spectator in the city and I liked what I saw. While I was at war, Hip Hop began to develop in France, giving birth to electro music. When I came back, some of my friends before the army had chosen electro and all that it implied… I did not see myself having to consume products to love one particular kind of music, so I stayed in my little neighborhood to listen to NTM, IAM and Assassin on my Walkman. And as soon as there was a concert, I went there. It was the beginnings of the “fanzines” magazines and there was always a leaflet at the end of those who talked about Hip Hop culture, with 3 or 4 pages of graffiti. I was very impressed to see what artists were able to do with sprays.


Did you draw a little when you were younger?

I didn’t really drew as a child. I rather scribbled. In college I started drawing more, but out of obligation, because I was always punished… I lived on the 7th floor of a building. I could not escape by the window. My father punished me, locked the door, removed the antenna cable from the TV and gave me double pages of divisions and multiplications to do. When I finished, I had nothing to do but scratch paper… I was doing abstract stuff. I will not even pretend it was drawing. But I liked that. Without having any skills or training for it.


How did you start graffiti?

As soon as I saw a field where there were graffiti, I used to come back on weekends, to see others works and, gradually, they offered me to try. I told them that I did not know how to draw and they answered « if you can write your name, you know how to do graffiti. It’s not more complicated than that ». It was my meeting with BRUSK that was the trigger. He told me « In 6 months we will know if it’s a passion or a passade ». We painted together for 16 years. There was never him without me, never me without him. Yet he had done Fine Arts, obtained diplomas and post-degrees… Other artists had given up Peinture with him because he was too talented. Me, I said to myself « there is no reason for him to get there and not me ». And I persevered, despite my inexperience and facing young people who were all between 15 and 17, when I was already 24 when I started. I worked all week long and on weekends I bought bombs and I went to paint walls. And 25 years later, it’s still a passion. It’s even a virus, I must say. I don’t do any more « vandals » because I have children, but I always think about it. Every time I’m on the highway or seeing a « spot », I look at the walls instead of looking at the road (laughs).


The choice of your alias has a special story…

Indeed. The word « impact » really appealed to me. It’s a term that defines me well, because I’m  an impulsive man. I am actually a « nice guy » but when I have something to say I say it. This word also characterizes my Peinture quite well. But at the time, there was already a guy who was part of the CP5 crew (a very famous one), who was named Impact. He had died. I made the move to call the members of the crew in Paris and I asked if I could choose this alias. They accepted because I had been respectful. The graffiti community is a highly codified one, with its own rules. From the start, I was very interested in the history of this movement and about its codes of behavior. I educated myself with these codes and I have never departed from them since then. Today, my artist’s name characterizes me perfectly. Everybody always tells me « every time you paint, it looks like you’re portraiting yourself. » Last year, for the Zoo Art Show, I painted a bear throwing its big paw in the air, and I was told, « Ah, that’s all you: the soft side of the fur, but the good slap that goes off anyway « (laughs).


Did you have a hard time believing in your own talent?

As soon as I started Peinture, I knew I had found my way. It’s not so much that I had something to prove to others. It was mostly to me that I wanted to prove things. I wanted to get there. I’m a construction worker, that’s what I learned at school. And I think that my learning of rigor and professional seriousness has been a weighty tool in my learning process of graffiti. When we met during the weekends to paint large frescoes, it was I who called the other graffiti artists to remind them of the appointments, to tell them what colors to bring… This rigor was useful to all and we surpassed ourselves with each new project. After two years, I became the first graffiti artist invited to Jams in Lyon and elsewhere in France. I think it’s also because I talk very easily with people. I have no appriori vis-à-vis the public, I can discuss easily with a 14 year old or a senior. I gained a lot of contacts like that. At the first Jam, I met the whole « Old school » scene : RESO, DER, the 3HC crew, SHOCK, WELS of Nantes, MISS VAN of Toulouse, TILT, the TRUSKOOL, ABEL (313), SEEK (313) of Marseilles, just all the artists who were known when I started. We became friends because I I take care of the people I like. When someone does not remember my name, they call me « the nice guy ». I’m like that with everyone, whether in the graffiti field or not… So I participated in many graffiti events. I discovered an extraordinary world where I could flourish artistically and meet dozens of artists that I had never met, to create works with them for several days, sometimes several weeks, and they became my friends. A real human experience.


This is not always the case in festivals today…

One must know who he invites. Bringing stars is good, but if the result is that they don’t talk to anyone and they require assistants to push their rolls… I don’t have that kind of requirement. We do not save lives, we’re not cardiac surgeons. We are just painters. We don’t need helpers. I spread paint on the walls because I like it, I do it first for myself. If it pleases people, I’m happy. If they give me money, it’s the icing on the cake. But I do not claim any privilege. I continue to work on construction sites until today.


When did you move from graffiti to characters?

From the moment BRUSK got tired of drawing « characters » for everyone (laughs). At first, he liked it because I had great ideas for compositions. And then, one day, he told me « my man, I love you, but if you want a character on your wall you’re going to do it by yourself ». At the time I wasn’t happy, but today I know that he did a good thing for me that day. Because that forced me to go beyond. I painted my first character at the RVI wasteland in Lyon in 2000. At the time I was only doing 3D lettering, because I found the « wildstyle » too difficult. I was learning to master the tools. We used « Montana Hardcore » bombs at the time, poor quality material compared to what they have today, and with just basic « caps » on them. I do not understand how we managed with it… Since I did not master the drawing, I started using pictures to paint my characters. We painted in disused areas. We had no stencils, no spotlights… I still work with photos today, but it’s more to reassure me, as a kind of safety net… I involve a lot of technique in my Peintures because I don’t feel creative enough sometimes. So I try to be creative in the composition, in the idea behind my works.


What are your techniques and media?

I only paint with bombs, on walls or on canvas. No stencils. If I draw something on paper, I leave it on paper. I even make my own stencils. What Molotow sells today at 28 euros price, it’s been 15 years that I paint with it, homemade. I made stencils of different sizes from corks that I got from other sprays and it allowed me to make extremely fine features, so well done that people couldn’t believe it was paint.


That’s your rigorous side.

Yes, my military side … It took me a long time to stop 3D because I was trying, all the time, to make it more complicated than the day before, so that during the time that took me a single lettering my buddies were doing 5 of them. So, I finally stopped 3D and started « Wild ». Since then I have never redone 3D.


Who are your inspirations?

We all have more or less our influences. I admire SHORT 79, which makes beautiful lettering entirely by hand, whereas one would swear them made on computers. It’s been 25 years that I do graffiti, but I still admire other artists. Nothing is acquired, nothing is achieved, I will never stop progressing. When I started, I saw a red and yellow self-portrait of Alex MAC and I thought « the day I get to do that, I would have reached my goal ». A few years ago, ZEYO told me « you know Dude, it’s been a long time since you achieved this goal. » Well, I am an obstinate. If someone comes to me and says « No, you will not be able to paint this » I will go on till I prove to him that I can. I never give up…


Are you a superhero?

You know, today, if you don’t cheat on your wife, if you don’t get drunk every weekend and if you don’t hit your kids, you’ve become someone exceptional… People have forgotten a little too quickly the values ​​that make a real man. I think I’m just normal. Yesterday, I posted a picture of my children on Facebook and, behind them, RESO is Peinture a wall. Well, I can paint for 100 years and I will never make nothing greater than my children. Graffiti is just paint. We are in this world to take care of our children and our families, nothing matters more. And before being a graffiti artist, I’m a man …

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What events did you participate in before Peinture Fraiche?

In 1999, with BRUSK, DUSK and NIKODEM, we met a graffiti association from Grenoble called « Urban Force », who organized the « Month of graffiti » in Grenoble. 5 weeks of graffiti, 5 artists of different crews, one opening per week, in completely different places, each one related with the identity of the artist that came to exhibit. We integrated Urban Force and we organized the Month of graffiti with them. Later, a friend who was an architect contacted me to paint a mural for a party in a disused industrial area in Lyon. It was the wasteland of the RVI factory. After this first evening, I returned to the place alone and I did some work there, during a whole year, with my personal money. I changed the locks, I repaired the windows, the toilets, the showers… But I forbade the entrance to all graffiti artists, before I finished the work. I wanted to make it an artistic place. When I finished, I went to the City Hall to explain what I had done. The municipality came and everybody was so impressed that they gave us an occupancy right for 10 years. Then, I made the call. Graffiti artists, musicians, dressmakers, photographers, theater companies, everyone came! We welcomed 250 artists, for free, we helped them set up their workshops. I was offered 4.5 tons of paint, free, by a supplier who paid to have it destroyed… The « Meeting of Styles » managers heard about the project and they contacted us to organize the French edition of the event, In Lyon. For this event I invited the whole Old Scool scene. I reiterated the meeting for 4 years and, unintentionally, we became one of the largest graffiti gatherings in Europe. It was a beautiful sharing experience.

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Is sharing important for you?

I gave courses in youth centers, in some difficult neighborhoods around my home, and I animated graffiti initiations in all kinds of prisons: men, women, minors, adults, in Lyon and Saint Etienne. Transmission is essential to me. I don’t care if people say I’m a good painter, I want them to say that I’m a beautiful person.

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What do you think about the evolution of Street Art today?

Last year, at the « Zoo Art Show », a client who wanted to buy a canvas came to compliment me. She said to me « It’s beautiful what you do, it’s not like all those little idiots who paint shit on the streets… » But those little idiots were us. So, I told her, « you know why it’s shit? Because they paint at night, in 3 minutes, in the dark and at full speed in order not to get caught. We are the same people you talk about, who have been given time to do beautiful stuff. We renamed our discipline to be able to enter the galleries. The word « graffiti » scared people, so we called it « Street Art ». If I eat a ham in the street, between noon and 2 pm, does it become Street Food? (Laughs). I’m sorry, but I do not want to rename my alias in order to be accepted. People did not understand that we were doing this in the streets because we didn’t have no other place to create! We offered free art to people. And the “vandal” mode is above all a way of communication between us graffiti artists. I have been doing “vandal” for over 15 years, but I’ve never tagged the house of a guy who paid a heavy credit for a nice beige stucco! I did it on the highways, but I never tagged the brand new truck of a carpenter. If you want people to accept your art, annoying them will not help. If you want respect, you have to give it first. And regarding the fact that graffiti has entered the galleries, I beleive it’s a good thing. The artists who criticize this are often those who cannot enter the galleries. A great specialist in contemporary art said « do not spit too fast on graffiti artists, because you are lucky to be able to live at the same time as a future Dali or a future Picasso ». Our discipline comes from Hip Hop and from the street, but what people have to understand is that we are just painters with new brushes. The aerosol technique is the very first wall painting technique in history! In the caves, before drawing animals, men took pieces of bamboo, put their hands on the walls, put clay in their mouths, spit the clay through the bamboo. It was aeropulsed! It was graffiti!

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If I was the genie of Aladdin’s lamp and you could make a wish, which one would it be?

It’s stupid, what I’m going to tell you, but we have lots of friends who died while doing “vandal” graffiti. Every time we are painting, we can’t help thinking about them. I would just like to be able to bring them back and paint a wall with them… No prestigious names. Just simple guys I met, and some I only heard about. I was told that they had gone under a train. Painting is made to embellish life, not to punish it. It’s not normal to die because you wanted to express your passion. Who would risk to die for dancing? Who would risk his life to write a song? No one. The guys I’m talking about endangered themselves, 30 meters above the ground, hanging on bridges, just to write their names and tell everyone « Look at me, I exist ». Frankly, I do not know what tomorrow will bring. I do not have a career plan, I do not have any calculations. But I would be glad to paint a wall with all those we lost. And I think it would please a lot of artists who are here at Peinture Fraiche

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“Peinture Fraiche” (Fresh Paint) Festival, 10 days, 70 artists, 12 countries. 3rd to 12th of May 2019, Halle Debourg, 45-47 Avenue Debourg, Lyon (Metro, Tramway, station Debourg).



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